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Epílogo (1)
Zbynek Baladrán, Etienne Chambaud, Keren Cytter, Katerina Sedá y Cristián Silva.
Fue expuesta desde el 27 de mayo de 2010 hasta 27 de julio de 2010.
Esta muestra colectiva presenta el trabajo de un grupo de artistas pertenecientes a una misma generación que, a través de diferentes metodologías, cuestionan la construcción de imágenes como proyecto de control y domesticación de lo que nos rodea. Sus preocupaciones giran en torno a la interacción individual, desde la esfera más inmediata, hasta el rango geopolítico y la creación de conductas colectivas a escala nacional o mundial.
Los artistas que participan en Epílogo (1) vivieron su niñez y adolescencia en las postrimerías de la última carrera por el poder global llevada a cabo por dos formas antagónicas de entender el mundo, ambas defendiendo conductas utópicas: el sueño americano fundado en el capitalismo por un lado y la dictadura del proletariado abanderada por el bloque soviético por el otro. Estos artistas fueron testigos pasivos de estas transformaciones y, dos décadas después de la caída del muro y ya dentro ya del territorio de la distopía-, miran al pasado más cercano de una forma desapasionada. A través del uso de la antropología, la historia o la sociología se acercan a estos fenómenos tangencialmente. Su propósito no es encontrar o informar sobre realidades concretas sino, a través de una imaginería desestabilizadora, poner en entredicho construcciones de realidad fabricadas en períodos como la Guerra Fría y de la que actualmente siguen existiendo reminiscencias.
Zbynek Baladrán (Praga, 1973) presenta Modelo para una torre constructivista. Baladrán toma como modelo una de las utopías más conocidas por la memoria colectiva: el modelo del monumento de Vladimir Tatlin ideado para la conmemoración la III Internacional Socialista de 1919. En esta fotografía se muestra las manos de Baladrán apilando un libro sobre otro. Los libros muestran arquitecturas modernistas y escenas de folklore de diferentes países de Europa del este y sobre las páginas de cada uno hay un separador que lleva escrito diferentes medidas en metros Cada pequeña imagen de la fotografía muestra un momento de esa construcción donde la suma total de todos las medidas es 400 metros, altura que alcanzaría el monumento de Tatlin si éste hubiera sido realizado, convirtiéndose en la torre más alta del mundo por encima de la Torre Eiffel. En la fotografía de Baladrán la composición de imágenes queda incompleta en la última fila acentuando el fracaso del proyecto.
Etienne Chambaud (1980, París) presenta dos trabajos que pertenecen a dos series diferentes: Atlas y Las coloristas coloreadas. En "Atlas, Pierre Gourour Atlas Classique Hachette 1956, 2010, Chambaud realiza incisiones concéntricas en diferentes puntos de un mapa político de Europa del 1956; estas incisiones tienen distintas profundidades mostrándonos así diferentes lugares y cartografías. Estas formas circulares se muestran como discontinuidades que desestabilizan el artificio del relato lineal de la historia.
La serie, Las coloristas coloreadas, consiste en serigrafías sobre lienzo que Chambaud realizó partiendo de negativos de cristal de escenas de fábricas en las décadas de los veinte y treinta del siglo pasado. Son fábricas de coloreado de películas de cine donde sólo trabajaban mujeres: estas piezas muestran un momento cualquiera de un día de trabajo. Chambaud interviene en estas fotografías serigrafiadas, coloreando los rostros y las manos de las coloristas con pintura acrílica
Keren Cytter (Tel Aviv, 1977) presenta su último vídeo The Coat 2010. La película representa un triángulo amoroso entre dos hermanos (el pequeño inglés y el mayor americano obsesionados con el juego del sudoku)y una atractiva mujer de Alemania del este. El hermano pequeño, que en los últimos siete años se ha visto con ella a espaldas de su hermano, le propone que se vaya con él a Los Ángeles. Cuando ella se decide y acepta su propuesta, él se ve envuelto en mitad de una intensa partida de sudoku y le resulta imposible marchar.
Cytter utiliza un gran número de estrategias fílmicas en la construcción de sus fragmentadas historias donde plasman representaciones visuales de sentimientos enfrentados como la felicidad o el deseo a morir.
Katerina Sedá (Brno, 1977) realiza acciones sociales de un aparente contenido lúdico donde implica a personas de su entorno más cercano. En este caso la acción es llevada acabo por todos los habitantes del pueblo donde ella vive, Lisen. Postcard, 2009 es una intervención de personas de diferentes generaciones, donde conviven memorias de dos periodos y dos realidades diferentes: la Checoslovaquia socialista con la Republica Checa democrática.
Para realizar Postcard Sedá pidió a un habitante del lugar que dibujara en un único trazo la vista más bonita de su pueblo y que lo firmara y repitiera ese mismo trazo en 9 dibujos. La artista retiró el primer dibujo quedando ocho y un segundo dibujante realizó esta misma acción en los ocho dibujos restantes. Conforme se sumaban dibujantes la artista iba decidiendo cuándo daba por terminado cada dibujo y paulatinamente los iba retirando. De tal forma que el primer dibujo lo ha hecho 1 persona, el segundo 5, el tercero 29, el cuarto 110, el quinto 112, el sexto 159, el séptimo 193, el octavo 254 y el noveno 300 que es la totalidad de los habitantes del pueblo.
Cristián Silva (Santiago de Chile, 1969) presenta dos dibujos al carboncillo: Movimientos preparatorios I y II y un vídeo titulado Fluttering Crosses. Ambos dibujos están cargados de reverberaciones utópicas, y constituyen al mismo tiempo documentación de pequeños acontecimientos históricos y bocetos anticipatorios de un futuro proyecto mayor del artista.
En uno se nos muestra a entusiastas estudiantes de una universidad de Indiana, EEUU, desplazando un tambor de gigantescas proporciones; el otro dibujo nos presenta la imagen congelada de un puñado de gimnastas de la antigua República Democrática Alemana, posando en una austera torre humana. Por otro lado, Fluttering Crosses muestra una frenética sucesión de juegos de luces LED, obtenidos de los carteles luminosos de farmacias madrileñas: la repetición aleatoria de las diferentes secuencias y los desplazamientos ópticos de este símbolo -asociado habitualmente con el bienestar y con el control- van generando hipnóticamente en el espectador una eventual evocación del mundo de la alquimia y del misticismo.
Epílogo (1) es la primera de una serie de exposiciones que llevarán el mismo nombre y se presentarán en diferentes espacios.
MAISTERRAVALBUENA agradece la colaboración de Christiane Bütgen, Schau Ort, Zürich.
La Traca Final / The Grand Finale.
Karmelo Bermejo
Fue expuesta desde el 28 de enero de 2010 hasta 6 de marzo de 2010.
En la galería se presenta un vídeo de la acción, una serie de fotografías y un documento bancario.
The Grand Finale invierte el ritual de celebración propia del éxito al conmemorar el fracaso. Esta es la paradoja en la que opera la obra, introduciendo una anomalía en la ostentación propia de los fuegos artificiales.
La obra es abierta y puede entenderse como una celebración del final de la especulación, o también, como una celebración del final de la crisis o como un desafío a ésta. El trabajo tiene un funcionamiento catártico ante la situación que vive el mercado del arte, especialmente afectado por el pánico ante la crisis mundial.
El proyecto es un site specific para la feria Art Basel Miami Beach. La crisis global, originada en los EEUU, ha provocado que el 4 de Julio de 2009 se hayan lanzado la mitad de fuegos artificiales que en años anteriores. Esta medida de recorte, es la que se está aplicando globalmente respecto a lo que Bataille había venido a llamar “gasto improductivo”.
The Grand Finale es una continuación de la serie que Karmelo Bermejo ha venido a definir como Experimentos estéticos de economía extrema. Se trata de una serie de ejercicios de ostentación realizados con dinero público de la que, por ejemplo, forma parte Booked The movie, 2008.
En este caso, el dinero para financiar el proyecto, ha procedido de un crédito bancario concedido a la galería (el contrato de este crédito se muestra en la exposición). Este dinero actúa como un virus en el sistema amplificando la problemática inherente a su procedencia.
La obra utiliza la misma lógica que el artista aplica en la serie Aportaciones como: Aportación de fuel a la Costa da Morte. Diez kilos de fuel fueron vertidos al mar en la Costa Da Morte, 2005.
La exposición también integra el proyecto que Karmelo Bermejo presentó en el stand de Maisterravalbuena en Art Basel Miami Beach: “Escarpias de oro macizo para sujetar obras de arte”, las escarpias de oro quedan ocultas por los obras que sujetan (en la exposición se han colgado varias obras con estas escarpias de oro). En oposición a esta invisibilidad, The Grand Finale, posee la visibilidad extrema de un espectáculo de fuegos artificiales. En ambos casos se trata de deconstruir la ostentación propia del mercado del arte.
Pause
Claire Harvey
Fue expuesta desde el 17 de octubre de 2009 hasta 14 de noviembre de 2009.
MAISTERRAVALBUENA se complace en presentar “Pause”, la primera exposición individual en España de la artista inglesa Claire Harvey. Sobre materiales cotidianos y efímeros como transparencias, cinta adhesiva, cristal o postits, Harvey dibuja personajes inmersos en una actividad cotidiana aparentemente banal pero que nos produce extrañeza al desconocerse su finalidad. Son personajes anónimos encapsulados en un espacio ilusorio - que frecuentemente se expande mas allá del soporte- y que actúan ajenos a la mirada del espectador. Son imágenes que recuerdan a fotogramas del cine noir de los 50 y que narran un instante fugaz de gran carga melancólica y soledad existencial.
Para esta exposición Harvey presenta una nueva instalación con retroproyectores puestos en diferentes ángulos de la galería de tal forma que se crea un espacio de acentuadas luces y sombras. Sobre los muros y otros objetos, como lienzos en blanco, se proyectan figuras pintadas sobre cristales y transparencias que se yuxtaponen creando diferentes narrativas. Éstas se desarrollan a medida que el espectador recorre la instalación. Si bien es cierto que esta obra tiene claras connotaciones con el cine, a diferencia de éste, las imágenes son estáticas y es nuestro movimiento el que hace que se vayan tejiendo nuevas historias. Nuestra sombra se refleja en la pared quedando unas imágenes en penumbra y otras iluminadas, y se crean así constantes y diferentes interconexiones entre las figuras.
Además de la instalación, Harvey presenta nuevos cuadros al óleo y dibujos sobre cristal. Estos últimos van sujetos a la pared con un adhesivo que Harvey convierte en un elemento narrativo más de la obra al darle forma de ventana, de luna, de libro, etc. El soporte en las obras de Harvey adquiere una dimensión simbólica.
Claire Harvey nació en 1976 en Inglaterra y ha estudiado en la Reading University, Chelsea College of Art y recientemente ha terminado su residencia en la Rijksakademie de Amsterdam. Entre otros sitios ha expuesto en: Easily Removable, Member's room, Tate Modern, Londres; Bienal de Arte Contemporaneo, Le Havre, Francia; Unisono 18: Claire Harvey, Stedelijk Museum Schiedam, Holanda; Prix de Rome 2007, Witte de With, Rotterdam, Holanda; Next to Nothing, Lombard Freid, Nueva York.
Antonio Ballester Moreno
Antonio Ballester Moreno
Fue expuesta desde el 14 de abril de 2009 hasta 24 de mayo de 2009.
Para esta ocasión el artista madrileño ha realizado obra de diferente formato y técnica sobre papel: collage, dibujos a bolígrafo, a rotulador y con lápices de colores. Es una exposición, la primera del artista, dedicada exclusivamente a trabajos sobre papel que quizá sea el soporte que mejor explique su aproximación al arte y más en concreto, su inclinación hacia la pintura.
La posición de Antonio Ballester Moreno hacia el dibujo y la pintura es ideológica; por tanto, su práctica será la manifestación creativa de una clara actitud del artista ante la vida. Llegó a la pintura deforma intelectual –el medio “natural” del artista en la facultad y en años posteriores fue el lenguaje del vídeo-. Referentes como el “Walden” de Thourau, los escritos de John Cage, el Manifiesto de Unabomber de Ted Kaczynski, Dubuffet, Paul Klee o los documentales de Werner Herzog le hacen llegar de una forma razonada a este, para él, nuevo medio. Para Ballester Moreno, al igual que propugnan los autores antes citados, es esencial tener un espacio que le permita ser más libre creativamente fuera de prejuicios formales y conceptuales. La pintura es el lenguaje que le permite alcanzarlo.
La pintura le da un espacio donde puede pasar tiempo en solitud y tener una relación directa con la obra sin ninguna mediación física más que el bolígrafo o el pincel. El artista encuentra la libertad en una forma de hacer arte sin artificios y disfraces intelectuales, por tanto, es muy importante para él el concepto de artesanía entendida ésta como una forma de trabajo alejada de la hiperindustrialización de nuestro tiempo y que se afronta no para conseguir objetivos a corto plazo sino como una forma de autoconocimiento y de posicionamiento ante la vida, sin miedo al error y ajena al concepto de genio. En consecuencia, los temas a los que más recurre Ballester Moreno son el folklore, temáticas propias del mundo infantil y de la locura y la naturaleza.