Exposiciones anteriores en Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Thomas Schütte. Retrospección

Thomas Schütte

Fue expuesta desde el 16 de febrero de 2010 hasta 17 de mayo de 2010.

La exposición dedicada a Thomas Schütte (Oldenburg, Alemania, 1954) es la retrospectiva más completa organizada en España del artista y una de las más importantes que presenta el Museo este año. Recoge una singular y extensa visión de su obra que permitirá al visitante observar las constantes innovaciones del autor y su evolución a lo largo de treinta años de trabajo.

Se trata de hacer un recorrido por los diferentes momentos artísticos de Schütte, desde sus primeras obras realizadas a finales de la década de los setenta, cuando todavía era estudiante, hasta sus trabajos más recientes. La exposición se compone de instalaciones, acuarelas y aguafuertes, fotografías, maquetas arquitectónicas, y ejemplares de sus principales grupos escultóricos, como las series de «Mujeres» y «Perros».

Se han reunido alrededor de setenta y cinco obras cuyo grueso se exhibirán en la primera planta del edificio Sabatini. Pero además, las piezas de Thomas Schütte sobrepasarán las puertas de las salas de exposiciones y se mostrarán en diferentes lugares del Museo sorprendiendo al visitante: el jardín, el claustro, la guardarropía del antiguo Hospital o el Espacio Uno.

Thomas Schütte está considerado uno de los artistas alemanes más importantes de su generación. Estudió en la Kunstakademie de Düsseldorf desde 1973 a 1981 (primero con Fritz Schwegler, y a partir de 1975 con Gerhard Richter). Desde su primera muestra individual en 1979 ha desarrollado un extenso currículo expositivo. Aunque desde que empezó a exponer internacionalmente Schütte ha sido considerado ante todo escultor, sus primeros pasos los dio en el terreno pictórico. Entre sus exposiciones más importantes destacan las celebradas en la Whitechapel Art Gallery, Londres, 1998; la Dia Art Foundation, Nueva York, 1998-1999, y la Haus der Kunst, Múnich, 2009. Su trabajo ha sido incluido en las Documentas 8 (1987), 9 (1992) y 10 (1997), así como en el 55º Carnegie International, Pittsburgh (2008) y en el Skulptur Projekte Münster de 1987 y 1997. Actualmente vive y trabaja en Düsseldorf.

Francisco López

Francisco López

Fue expuesta desde el 13 de enero de 2010 hasta 29 de marzo de 2010.

Francisco López (Madrid, 1964) presenta una instalación sonora “Sin título #223”, un proyecto ideado para un espacio específico e inusual del Museo, el corredor metálico interior del nivel superior del edificio Nouvel. En este lugar, que permanecerá casi a oscuras, se instalará un sistema de sonido que permitirá al público escuchar la pieza, de unos 8 minutos de duración, de características acústicas especiales, dado el lugar. La instalación creará un ambiente sónico virtual con contrastes extremos; para ello se aprovecharán en particular las superficies metálicas del techo, paredes y suelo del corredor, así como las proporciones peculiares de este espacio.

Francisco López está reconocido internacionalmente como una de las figuras clave de la música experimental. Su experiencia en el ámbito de la creación sonora y en el trabajo con grabaciones ambientales abarca un período de 25 años, durante los cuales ha desarrollado un universo sonoro absolutamente personal e iconoclasta que explora los límites de la percepción y busca, a través del sonido, la expansión sensorial y espiritual. Ha realizado cientos de conciertos, proyectos con grabaciones de campo e instalaciones sonoras en 50 países de los cinco continentes. Su extenso catálogo de piezas sonoras (con colaboraciones en directo y en estudio con más de 100 artistas internacionales) ha sido editado por más de 150 compañías discográficas de todo el mundo. Ha recibido en dos ocasiones la mención honorífica del festival Ars Electrónica y recibió recientemente el primer premio del 1 Concurso de Arte Sonoro 'Broadcasting Art', organizado conjuntamente por el programa 'Fluido Rosa' de Radio 3 de RNE y el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC).

León Ferrari y Mira Schendel: El alfabeto enfurecido

León Ferrari y Mira Schendel

Fue expuesta desde el 25 de noviembre de 2009 hasta 1 de marzo de 2010.

Comisariado: Luis Pérez-Oramas

León Ferrari y Mira Schendel son dos de los artistas latinoamericanos más significativos del siglo veinte. Ambos produjeron sus obras durante los años 60, 70 y 80, en Argentina y Brasil, sin haberse conocido mutuamente, privilegiando la presencia del lenguaje como materia visual y como contenido.

Schendel y Ferrari emergieron como artistas durante un tiempo marcado por el uso de modelos lingüísticos para comprender el mundo. A diferencia de los artistas conceptuales, Ferrari y Schendel no hicieron uso del lenguaje en sus obras para producir arte como idea o como concepto, sino para manifestar su específica materialidad, utilizándolo como un medio físico que puede ser moldeado y esculpido. Tangled Alphabets: León Ferrari and Mira Schendel es la primera muestra retrospectiva de sus obras en los Estados Unidos.

Georges Vantongerloo. Un anhelo de infinito

Georges Vantongerloo

Fue expuesta desde el 4 de noviembre de 2009 hasta 25 de febrero de 2010.

Comisariado: Guy Brett

La exposición muestra un recorrido por la obra del escultor, pintor, arquitecto y teórico del arte Georges Vantongerloo (Amberes, 1886 – París, 1965).

A pesar de ser uno de los artistas-pensadores más importantes del siglo XX, las exposiciones que se han realizado de Vantongerloo hasta el momento han sido escasas. Comisariada por Guy Brett, la exposición que el Museo organiza sobre el artista trata de mostrar la base de su obra en la que la re-conceptualización del espacio pictórico y escultórico marcó las tendencias artísticas del arte abstracto de los primeros años del siglo XX. También se intenta resaltar el último periodo de su trabajo después de la Segunda Guerra Mundial en el que, en una sucesión de saltos radicales, el creador llegó a una original e intuitiva encapsulación visual de las energías del Universo.

La muestra traza, por lo tanto, la evolución del artista desde sus inicios con Constructions in the Sphere (1917), hasta sus años como miembro del Grupo De Stijl o del grupo Abstraction-Création (cuando producía pinturas geométricas basadas en un ángulo recto), pasando por la introducción de la “curva” en sus pinturas de finales de los años 30. Por otro lado, la exposición recoge los trabajos realizados después de la Segunda Guerra Mundial con las series realizadas en plexiglás, modelos prismáticos y pinturas que buscaban un parecido o equivalencia con el fenómeno cósmico -radiación, radioactividad, electromagnetismo, atracción/repulsión- que continuaría hasta su muerte.

Joëlle Tuerlinckx. Crystal Times. Reflexión sin sol / Proyecciones sin objeto

Joëlle Tuerlinckx

Fue expuesta desde el 9 de octubre de 2009 hasta 22 de febrero de 2010.

Comisariado: Lynne Cooke

Las experiencias de espacio y tiempo —aunque en representaciones específicas más que como modalidades generales— son fundamentales en la práctica artística de Joëlle Tuerlinckx. Por eso aceptó entusiasmada cuando el Museo Reina Sofía la invitó a realizar un proyecto para el Palacio de Cristal, un espacio de grandes dimensiones y dotado de iluminación natural. Lo que terminó proponiendo, sin embargo, fue una puesta en escena en dos partes: una intervención específica en el luminoso pabellón acristalado y un escenario ficticio —a la vez estudio, galería y archivo— en tres pequeñas salas del edificio Sabatini del museo. Compuesto de obras antiguas y recientes, entre las que se incluyen películas, libros, esculturas, dibujos, material de referencia y una maqueta, este conjunto, que funciona a modo de archivo, constituye el contrapunto de la instalación alojada en el Palacio de Cristal: CRYSTAL TIMES. Reflexión sin sol/Proyecciones sin objeto.

Lugares: Palacio de Cristal y Edificio Sabatini, Planta 3, Sala 305

Francis Alÿs: Fabiola

Francis Alÿs

Fue expuesta desde el 11 de diciembre de 2009 hasta 21 de febrero de 2010.

El Monasterio de Santo Domingo de Silos acogerá a partir del 28 de octubre la muestra organizada por el Museo Reina Sofía dedicada al artista belga Francis Alÿs (Amberes, 1959). La exposición Fabiola, está compuesta por más de trescientas obras pertenecientes a la colección del artista. Esta muestra se pudo ver el año pasado en la Dia Art Foundation de Nueva York y se ha mostrado recientemente en la National Portrait de Londres, para viajar después a Silos. El punto de partida se encuentra en la obra del pintor francés Jean–Jacques Henner (1829-1905), titulada Fabiola con velo rojo, actualmente en paradero desconocido y que representa a la santa del mismo nombre que vivió en Roma hacia el S. IV D.C. Francis Alÿs, a lo largo de los años, ha ido coleccionando numerosos trabajos sobre la figura de la santa, realizados en muy diversos materiales y por diferentes autores. Con ello, el artista pretende dar validez creativa a los objetos anónimos, algo inherente a la propia obra de Francis Alÿs, ya que el coleccionismo forma parte de su trabajo.

Out of Projection

David Maljkovic

Fue expuesta desde el 9 de septiembre de 2009 hasta 18 de enero de 2010.

David Maljkovic es una de las figuras más importantes de la escena artística croata. Su obra se centra en la memoria y la amnesia colectiva, retratando la transición del comunismo al capitalismo en la historia reciente de su país. Sus instalaciones mezclan vídeos, dibujos y objetos en los que dirige su mirada hacia edificios abandonados y arquitecturas obsoletas o ya derruidas. Los monumentos reflejan la promesa de un futuro mejor, pero también la melancolía por una realidad contradictoria y que se refleja en el estado actual de dichos edificios. Como resultado, el artista construye un discurso visual sobre las consecuencias del fracaso de las utopías.

Definiendo el constructivismo

Liubov Popova (1889 -1924) y Alekxander Rodchenko (1891 – 1956)

Fue expuesta desde el 21 de octubre de 2009 hasta 11 de enero de 2010.

La exposición, una de las más importantes de la temporada, recoge la obra de dos figuras clave de la formación estilística y teórica del Constructivismo Ruso: Liubov Popova (1889 -1924) y Alekxander Rodchenko (1891 – 1956). Organizada por la Tate Modern de Londres en colaboración con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la muestra, que ha sido comisariada por Margarita Tupitsyn, supone un completo repaso a este movimiento artístico que cambió la cara del arte ruso.

La amplia muestra, la más completa que hasta ahora se les ha dedicado en España, recoge aproximadamente 350 trabajos, realizados entre 1917 y 1929 por ambos artistas: pinturas, carteles de cine y teatro, dibujos de diseño de trajes, de muebles, libros, fotografías y esculturas. Como complemento se proyectarán algunas películas de la época que guardan relación con los artistas y se podrán ver otros trabajos de creadores coetáneos.

Una característica a destacar de la exposición, es la equiparación de los sexos (en consonancia con los ideales de la Revolución Rusa); a Popova se le ha otorgado el mismo espacio e importancia que a Rochednko y en términos de calidad e innovación en el trabajo, no hay diferencia entre los dos artistas.

La exposición arranca en 1917, año de la Revolución de Octubre, cuando Popova y Rodchenko empezaron a aplicar al diseño sus experimentos anteriores sobre abstracción geométrica. Con la convicción de que el lenguaje abstracto tenía el potencial de alterar la vida cotidiana, ambos artistas transformaron la pintura en un campo de pruebas de formas abstractas capaces de influir en las primeras teorías de la arquitectura constructivista y las nuevas ciudades socialistas.

En el arranque de la exposición, se muestran los primeros trabajos realizados por los artistas: una extraordinaria colección de lienzos y obra gráfica producidos entre 1917 y 1921 que reflejan la aplicación inmediata de su vocabulario abstracto, todavía muy influido por la arquitectura.

Siguiendo el recorrido expositivo, encontramos una sala dedicada a uno de los grandes pioneros del arte abstracto, Wassily Kandisky, influencia evidente en los primeros momentos del Constructivismo ruso y figura clave para los dos protagonistas de la muestra.

Más adelante, y después de pasar una sala dedicada a escultura, se presenta parte de la exposición titulada “5x5 = 25” que Rodchenko y Popova realizaron en Moscú en 1921 junto a Varvara Stepanova, Aleksandr Vesnin y Aleksandra Exter, donde renunciaban a la pintura. A partir de este momento, nos encontramos con la transición desde la pintura a otros medios como el diseño gráfico o la moda. Por lo tanto, los dos artistas promovieron una práctica multi-media que incluyó desde diseño para cine y teatro, hasta el diseño de pósters, libros, ropa, textiles, y muebles. En este sentido encontramos, por ejemplo, diseños para portadas de libros de escritores como Trotsky o Mayakovsky.

La exposición aúna también las contribuciones originales de ambos artistas en estos medios, enfatizando en su dedicación al trabajo en colaboración y su implicación con las industrias locales. La muestra de las obras utilitarias de Rodchenko y Popova pondrá de manifiesto el grado en el que ambos artistas influyeron en la moda, los medios audiovisuales, el teatro y el cine del siglo XX.

La temprana muerte de Popova, en 1924 no le permitió entrar en la siguiente fase del Constructivismo. A partir de este momento Rodchenko se dedicaría exclusivamente a la fotografía y el cine. La exposición, recoge, cómo éste empleaba la cámara para reflejar de forma efectiva la nueva arquitectura Soviética, y para identificar, por medio de enérgicos retratos, a las figuras claves del movimiento Constructivista. Por último, se proyectará la película Moscú en Octubre, 1927 de Boris Barnet donde Rodchenko participó como director de arte y diseñó los títulos de crédito del film.

Francesco Lo Savio

Francesco Lo Savio

Fue expuesta desde el 13 de octubre de 2009 hasta 11 de enero de 2010.

Comisariado: Daniel Soutif

La muestra que el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía dedicará a Francesco Lo Savio (Roma, 1935 – Marsella, 1963) es la primera que sobre él se realiza en España. Se presenta aproximadamente un ochenta por ciento de las obras realizadas por Lo Savio en sus cinco años de actividad: las pinturas de la primera época, monocromos, los filtros, los metales, las Articolizioni totali. También se podrá contemplar en esta exposición –que ha sido comisariada por Daniel Soutif- una serie de trabajos relacionados con la arquitectura, disciplina que apasiona al artista en los últimos momentos de su vida. Precísamente, se suicidó en una casa construida por Le Corbusier en la Cité radieuse de Marsella.

Lugar: Edificio Sabatini, Planta 4, Salas 406 y 407

La Torre

Leandro Erlich

Fue expuesta desde el 26 de noviembre de 2008 hasta 23 de noviembre de 2009.

Las instalaciones del artista plástico Leandro Erlich cuestionan la visión de la realidad mediante simulaciones y efectos ópticos. En su primera exposición individual en España, Erlich presenta uno de sus proyectos más ambiciosos: La Torre. Instalada en el Patio Nouvel del MNCARS, La Torre es un alto edificio decorado como un bloque de apartamentos y compuesto por un dispositivo de espejos que crea un juego de perspectivas donde el espectador ve y es visto según su localización. La Torre es un proyecto del Programa Producciones.

Representantes del tiempo

Matthew Buckingham

Fue expuesta desde el 1 de julio de 2009 hasta 27 de septiembre de 2009.

Representantes del Tiempo es la primera exposición individual en España de Matthew Buckingham (Nevada, Iowa, 1963). En la muestra, organizada por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el artista cuestiona la utilización de la memoria fragmentada y reposicionada para definir el momento presente.

Su instalación contiene fotografía y vídeo, entrelazados con diferentes elementos escultóricos, así como pósters y papelería. Este escenario con estética de obra-proceso plantea una particular visión en torno a las narraciones globalizadas de los colonialismos o los relatos de diversos monumentos e inventos.

Figure 3

Paul Sietsema

Fue expuesta desde el 20 de mayo de 2009 hasta 21 de septiembre de 2009.

La obra de Paul Sietsema puede entenderse como una revisión constante en torno al arte conceptual. El artista estadounidense trabaja fundamentalmente en el campo de la escultura y el vídeo, herramienta que utiliza para investigar la relación entre el objeto tridimensional y la fotografía. Sus esculturas nacen de imágenes fotográficas preexistentes, extraídas de libros de antropología, etnografía y de culturas perdidas. Sietsema se basa en dichas imágenes para reconstruir cuidadosamente los objetos fotografiados, con un parecido asombroso a pesar del cambio de materiales en su composición. El resultado fluctúa entre períodos históricos, fenómenos materiales, documentación y ensueño

Figuración madrileña de los 70

Los Esquizos de Madrid

Fue expuesta desde el 3 de junio de 2009 hasta 14 de septiembre de 2009.

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía revisa en una retrospectiva el grupo denominado Los Esquizos de Madrid. Este grupo conforma la Figuración Madrileña de los setenta y lo integran artistas de la relevancia de Carlos Alcolea, Chema Cobo, Luis Gordillo, Carlos Franco, Sigfrido Martín Begué, Herminio Molero, Guillermo Pérez Villalta, Rafael Pérez Mínguez o Manolo Quejido. El período de creación como grupo abarca desde finales de los sesenta hasta 1985, coincidiendo con los últimos años del franquismo y la transición a la democracia. La Figuración Madrileña de los 70 reivindica una nueva forma de hacer arte al margen de las tendencias que triunfan en Europa.

Trabajan en una atmósfera de renovación y frescura, con una gran variedad de referencias artísticas que hacen especialmente atractivo el conjunto de su obra, desde el Pop Art a la psicodelia, el situacionismo o la ‘performance’. El nombre de Los Esquizos se adoptó por la etiqueta con que fueron bautizados por sus coetáneos de Barcelona, abstractos estrictos. En la Figuración Madrileña el humor, la ironía y el color adquieren un especial protagonismo.

JMuñoz. Retrospectiva

Juan Muñoz

Fue expuesta desde el 21 de abril de 2009 hasta 31 de agosto de 2009.

Juan Muñoz es uno de los referentes básicos en la renovación de la escultura contemporánea internacional. Su obra dilapida la parcelación estricta entre la escultura y otras manifestaciones artísticas más o menos afines como las instalaciones. El resultado es una escultura más rica en el sentido narrativo, del que surgen sentimientos de aislamiento e introspección individual. Organizada por la Tate Modern de Londres, la muestra del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía acoge la retrospectiva más importante dedicada al artista español a nivel internacional con obras nunca expuestas con anterioridad

¿Son los animales personas?

Peter Fischli / David Weiss

Fue expuesta desde el 30 de abril de 2009 hasta 31 de agosto de 2009.

Peter Fischli y David Weiss trabajan juntos desde 1979. Su colaboración se extiende hacia el ámbito del cine, la fotografía, la escultura y las instalaciones multimedia. Su obra se cimienta en el uso del humor y la ironía, creando películas basadas en un acercamiento al mundo alejado de efectos artificiales y dramáticos. La muestra que el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía dedica a esta pareja de artistas se desarrolla en dos sedes distintas del museo.

Por un lado, en la sede central se proyectan fragmentos de la serie de vídeos Bear and Rat, donde los artistas actúan vestidos con disfraces de oso y rata. En el Palacio de Cristal del Parque del Retiro exponen una instalación relacionada con las películas y formada por varios títeres de los mismos personajes, al ritmo de una música compuesta expresamente para la exposición

Un proyecto de Walid Raad

The Atlas Group (1989-2004)

Fue expuesta desde el 3 de junio de 2009 hasta 31 de agosto de 2009.

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía participa en la Sección Oficial del Festival Internacional de Fotografía y Artes Visuales PHotoEspaña 2009 con la exposición Walid Raad. The Atlas Group. Este proyecto artístico de carácter archivístico ha sido desarrollado entre 1989 y 2004 por Walid Raad (Líbano, 1967) e incluye instalaciones en varios medios, performance, vídeo y fotografía, así como ensayos literarios. El artista se centra en un periodo histórico fuertemente marcado por el trauma de la Guerra Civil en el Líbano. Con este proyecto analiza cómo la Historia puede ser contada y organizada, pero también “construida” y “fabricada”.

Todo lo que no es ración, es agio

Patricia Esquivias

Fue expuesta desde el 24 de junio de 2009 hasta 28 de julio de 2009.

La artista Patricia Esquivias (Venezuela, 1979), emplea el vídeo como medio expresivo. En el proyecto que presenta para el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía reflexiona sobre la desaparición del folklore español en las manifestaciones artísticas más recientes de nuestro país. Sus vídeos son micronarraciones entrelazadas en los que la propia artista lee los textos que presenta a una cámara fija, sin corte alguno. Con sus obras profundiza en la imposibilidad de narrar la Historia de manera lineal, simple y objetiva

Julio González

Fue expuesta desde el 10 de marzo de 2009 hasta 1 de junio de 2009.

Autor fundamental de las vanguardias, Julio González es uno de los más importantes renovadores de la escultura del siglo XX. La exposición que el Museo Reina Sofía dedica a este pionero de la escultura en hierro constituye la mayor retrospectiva de este autor en España y reúne más de 200 obras entre pinturas, bronces forjados y una amplia selección de dibujos. A todo ello se une un conjunto de piezas representativas de su trabajo en joyería. Organizada de forma cronológica, la exposición recorre la trayectoria de González, desde su etapa de formación en Barcelona y su traslado a París, hasta su etapa de madurez, en la que su relación con Picasso le impulsa a revolucionar el lenguaje escultórico con las ‘esculturas filiformes’ y las esculturas del ‘espacio vacío’. Muestra organizada por el Museu Nacional d´Art de Catalunya en coproducción con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Retrospectiva

Paul Thek

Fue expuesta desde el 6 de febrero de 2009 hasta 20 de abril de 2009.

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía acoge la retrospectiva más completa dedicada a Paul Thek, nacido en 1933 en Nueva York, ciudad donde fallece a causa del SIDA a la edad de 54 años. Esta exposición cuenta con una selección de más de 300 obras, en su mayoría pertenecientes a colecciones privadas, entre las que se incluye pintura, fotografía y objetos de las obras colectivas que el artista realizó para diversas instituciones europeas. El trabajo de Thek se encuentra entre las fuentes centrales de la revolución artística de los sesenta y tuvo una gran influencia tanto en creadores coetáneos como en los de generaciones sucesivas.

La obra de este neoyorquino parte de realidades confrontadas: mientras que la religión católica marca su obra, Thek confiesa abiertamente su homosexualidad, al mismo tiempo que se muestra obsesionado por el deseo de casarse y tener un hijo.

La pintura es una constante a lo largo de la carrera de Paul Thek. En ella se cuestiona con humor y libertad las convenciones y caprichos del mundo del arte institucionalizado. Son numerosos los ejemplos de obras pictóricas expuestos que pertenecen a distintas etapas de la carrera de Thek, junto a esculturas de bronce y objetos del artista. Entre las obras expuestas destacan sus conocidos Technological Reliquaries (Relicarios Tecnológicos), inspirados en su visita a las catacumbas capuchinas de Palermo y creados en Nueva York entre 1964 y 1967. Estas obras representan trozos del cuerpo humano creados con gran realismo en cera a modo de relicarios de la era tecnológica, en contraposición al minimalismo generalizado en el Nueva York del momento.

Dependencias

Eulalia Valldosera

Fue expuesta desde el 4 de febrero de 2009 hasta 20 de abril de 2009.

La concepción de esta exposición de Eulalia Valldosera (Vilafranca del Penedés, Barcelona 1964) comparte dos objetivos: la presentación de Dependencias, su obra más reciente realizada expresamente para esta muestra en el MNCARS con la que se inaugura un nuevo ciclo en su producción, así como la revisión de su trayectoria artística desde sus inicios a finales de los años ochenta hasta la actualidad.

Dependencias es la nueva obra que da título y articula la exposición. Se trata de una pieza monumental en la que el público interactúa con carros de supermercado que contienen proyectores de vídeo. Con ella la artista retoma el tema del dispositivo fílmico y la puesta en escena, potenciando los aspectos táctil, auditivo y lúdico. El título alude a las dependencias del cuerpo donde se desarrolla la vida así como a sus ‘estancias primigenias’, la maternidad, el sexo, el amor o la enfermedad; pero a su vez hace referencia a la dependencia de ciertos mecanismos que nos construyen y que definen nuestro modo de mirar y de actuar.

Las instalaciones y acciones lumínicas caracterizan la obra de Eulalia Valldosera, donde la intención no es crear un objeto para ser observado, sino hacer partícipe al público de una acción que pueda ser recordada. Los envases y los productos de limpieza constituyen el leit motiv de la mayoría de sus instalaciones. En esta muestra los visitantes pueden interactuar con estos envases manipulados para ser contenedores de experiencias que algunas personas desearían borrar de su vida, otros en cambio permiten registrar las nuestras.

Imagina tu propia historia

Alia Syed

Fue expuesta desde el 11 de febrero de 2009 hasta 13 de abril de 2009.

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía presenta la primera muestra en España de la artista inglesa de ascendencia india Alia Syed. Su obra Eating Grass (Comiendo Hierba) (2003), es una película de 22 minutos rodada en Karachi y Lahore (Pakistán) y en Londres. La película es una sucesión de secuencias de espacios públicos y privados de estas ciudades, ensambladas a modo de collage. Poética y política, Eating Grass incluye una referencia explícita a una promesa realizada en 1974 por el presidente de Pakistán, quien afirmó que su país dispondría de armas nucleares como las de India aunque los paquistaníes tuviesen que comer hierba para financiarlas. La película revela sólo su referencia política en el título. Destacan en cambio sus colores hipersaturados, la total libertad de movimiento y unas voces sibilantes que recitan líneas en inglés y urdu, lengua nacional de Pakistán, con alusiones a los cinco rezos diarios prescritos por la religión musulmana.

La muestra incluye una obra anterior, Swan (Cisne) (1989), película de 4 minutos que remite a los realizadores de vanguardia y a su interés por usar la naturaleza como metáfora visual para la expresión de la subjetividad humana.

De donde no se vuelve

Alberto García-Alix

Fue expuesta desde el 4 de noviembre de 2008 hasta 23 de febrero de 2009.

Alberto García-Alix es uno de los fotógrafos más representativos de la cultura visual española de las últimas décadas. Premio Nacional de Fotografía en 1999, el MNCARS le dedica una exposición que nace de un texto elaborado por el fotógrafo y convertido en vídeo expresamente para la muestra: De donde no se vuelve. El vídeo articula el desarrollo y discurso de la exposición, junto a una extensa selección de fotografías de diferentes épocas y formatos. Vídeo y fotos forman un todo que recorre la trayectoria del artista.

Fotografías

Zoe Leonard

Fue expuesta desde el 2 de diciembre de 2008 hasta 16 de febrero de 2009.

El MNCARS presenta la primera retrospectiva mundial de la obra de la fotógrafa Zoe Leonard. Compuesta por un centenar de obras, la exposición recoge una selección de imágenes tomadas por la artista neoyorquina desde la década de los setenta en las que plasma su interés por los contrastes cotidianos: la naturaleza frente a lo urbano y lo manufacturado frente a lo original. El eje central de la trayectoria artística de Leonard y de la presente muestra es la fotografía como definición de la sociedad moderna.

La vida Unánime

Deimantas Narkevičius

Fue expuesta desde el 13 de noviembre de 2008 hasta 16 de febrero de 2009.

La carrera de Deimantas Narkevičius se desarrolla principalmente a través del cine y el vídeo donde investiga de forma crítica sobre la percepción de la Historia, las utopías e ideologías. Considerado el artista lituano más reconocido en la escena artística internacional, el MNCARS presenta doce de sus películas –casi toda su filmografía– y dos de sus esculturas, en lo que es la mayor exposición retrospectiva sobre su trabajo hasta la fecha.

La invención del siglo XX. Carl Einstein y las Vanguardias

Fue expuesta desde el 12 de noviembre de 2008 hasta 16 de febrero de 2009.

Historiador y crítico de arte, Carl Einstein fue una de las personalidades más relevantes y polifacéticas de la vanguardia artística del siglo XX. Su obra intelectual –redescubierta en las últimas décadas– es objeto de homenaje en el MNCARS. La primera exposición a nivel internacional dedicada al teórico muestra 120 obras significativas de los artistas más importantes sobre los que reflexionó y escribió: de Braque a Dalí, pasando por Léger, Picasso, Paul Klee u Otto Dix.