Exposiciones anteriores en La Casa Encendida

Estudio Franquicia

Ryan McGinness

Fue expuesta desde el 5 de febrero de 2010 hasta 4 de abril de 2010.

La Casa Encendida de Obra Social Caja Madrid presenta el proyecto Estudio Franquicia, del artista Ryan McGinness (1972, Virginia) del 5 de febrero al 4 de abril de 2010. Basándose en la esencia del funcionamiento de una franquicia, Ryan McGinness se instala en el Espacio C de La Casa Encendida de Obra Social Caja Madrid donde recreará su estudio de Nueva York. Durante todo el mes de febrero, el artista trabajará en directo en la creación de nuevas piezas en colaboración con sus “dobles”, participantes del taller “Se buscan Ryan McGinness”.

Más de 180 personas enviaron su candidatura antes del 20 de enero a la web: www.sebuscanryanmcginness.com y a una aplicación creada para tal efecto en Facebook. Cada uno de los seleccionados pasará cinco horas al día durante cinco días en el taller de McGinness en La Casa Encendida. A uno de los candidatos más votados en Facebook –tras pasar la prueba del videochat con el propio artista– se le pagará el desplazamiento desde su lugar de residencia y su alojamiento los días que dure el taller.

Tanto el estudio como sus dobles se convertirán en símbolos del estudio del artista y del propio McGinness, estableciendo un discurso en torno a la creación y reproducción de símbolos originales, eje principal de su trabajo. La proliferación de duplicados, los mundos paralelos y los distintos modelos del universo, según los cuales no hay un original con diversas copias o reproducciones, sino numerosos originales que existen simultáneamente, vuelven a estar presentes en esta original propuesta.

A medida que el artista y sus colaboradores vayan generando obra en el estudio esta será instalada en el Espacio B junto a pinturas y esculturas en proceso. La exposición se completa con obras seleccionadas y provenientes de distintas colecciones, a modo de muestra de los últimos trabajos del artista, que serán expuestas en el Espacio A.

Estudio Franquicia es una extensión lógica del sarcasmo de la factoría de Warhol, la sinceridad de las factorías de Jeff Koons, Takashi Murakami y Damien Hirst, y la realidad contemporánea del artista como marca.

Edward Gordon Craig. El espacio como espectáculo

Edward Gordon Craig

Fue expuesta desde el 20 de noviembre de 2009 hasta 17 de enero de 2010.

La exposición “Edward Gordon Craig. El espacio como espectáculo” nos adentra a la obra y vida del escenógrafo y director teatral homónimo de principios del siglo XX. Su concepción del espacio escénico influyó de manera decisiva en la visión actual del teatro contribuyendo en el trabajo de numerosos directores y escenógrafos contemporáneos como Joseph Svoboda, Jannis Kokos o Gilles Aillaud.

La muestra, comisariada por Aurora Herrera Gómez, propone una revisión de la escena espacial apoyada en la obra de Gordon Craig. Actor y director de actores, publicó textos, entre ellos “El arte del teatro”, texto seminal para la renovación del teatro del siglo XX. También creó decorados, diseñó vestuarios e inventó el término “escenario espacial” en contraposición al teatro ilusionista de los siglos anteriores en el que predominaba el texto dramatúrgico. A través de cubos, escaleras, segmentos y aparatos escénicos aportó nuevas soluciones espaciales que permitieron la evolución de la escena hacia el campo de lo simbólico.

Los dibujos, bocetos, diseños constructivos y cromáticos del escenógrafo, presentes en la exposición, nos acercan al proceso de trabajo del artista. Sus fotografías, las entrevistas radiofónicas de la BBC, revistas y publicaciones darán a conocer su vida y su obra.

“Edward Gordon Craig. El espacio como espectáculo” cuenta con la participación excepcional de la Bibliothèque Nationale de France y de otras instituciones colaboradoras como The British Institute of Florence, Gabinetto G. P. Vieusseux, Florencia; Österreichisches Theater Museum, Viena; The New York Public Library for the Performing Arts; Paul Reeves y UCLA Library, Department of Special Collections, Los Ángeles.

The Subjecters

Thomas Hirschhorn

Fue expuesta desde el 9 de octubre de 2009 hasta 5 de enero de 2010.

“The Subjecters”, primera exposición individual del artista Thomas Hirschhorn en Madrid, es un “comentario sobre el mundo en el que vivimos, complejo, caótico, cruel, pero a la vez hermoso y espléndido”, según el propio artista. Se podrán ver instalaciones, esculturas, y vitrinas con maniquíes en su interior.

El trabajo de Thomas Hirschhorn (Berna 1957), se caracteriza por ser una reflexión comprometida sobre la realidad contemporánea. Haciendo uso de distintas disciplinas como la escultura, el vídeo o la instalación, Hirschhorn desarrolla un trabajo ligado a la crítica social y política.

A través de la utilización de materiales cotidianos como cinta adhesiva, cartón, hojas de plástico, fotocopias, o, en este caso maniquíes, representa situaciones universales de una manera transgresiva y directa. A través de los maniquíes que nos representan, el artista, nos habla de una “herida universal”, que quiere dar forma a su afirmación “Yo soy responsable de cada herida producida en cualquier parte”.

Además de esta pieza, el artista ha producido dos nuevas obras para el proyecto: “Tool Vitrine” y “Subjecter”, que da título a la exposición. En la vitrina “Tool Vitrine” un maniquí parece amenazarnos con un martillo, aunque también podría estar simplemente cumpliendo su jornada laboral, rodeado de todo tipo de herramientas. Son útiles familiares a los habitantes de zonas industriales como Aubervilliers, donde se encuentra el estudio del artista. En medio de las herramientas, como si de un manual de instrucciones se tratara, aparece la “Ética” de Spinoza, uno de los libros favoritos de Thomas Hirschhorn. En la obra “Subjecter”, un solo maniquí completamente perforado por clavos, aparece fuera de las vitrinas, como una representación fetiche de una figura humana.

En las obras se puede observar que los maniquíes están “conectados” con la sociedad, ya sea a través de los tatuajes sobre la superficie de 4 women, ya sea a través de las revistas que resaltan el cuidado del cuerpo en la vitrina Mono Vitrine (Interview), de los libros de arte sobre Goya que nos recuerdan los desastres de la guerra en Mono-Vitrine (Goya), las herramientas en la pieza Tool Vitrine, o los muñequitos manga en INGROWTH. Se completa la exposición con dos instalaciones situadas en el centro de la sala, Black&White Hemisphere y The One World. Encuentro con Thomas Hirschhorn

Coincidiendo con la inauguración de la exposición “The Subjecters” en La Casa Encendida, el artista suizo Thomas Hirschhorn (Berna, 1957) participará en un encuentro con el público el día 8 de octubre a las 18h. Además de exponer en numerosos museos y centros de arte, gran parte de la obra de Thomas Hirschhorn ha sido concebida para espacios públicos. El artista explicará su último proyecto en un espacio público de un barrio de Ámsterdam “The Bijlmer Spinoza-Festival”, una escultura concebida a modo de libro gigantesco del filósofo Spinoza. Modera el encuentro el crítico y comisario francés François Piron.

Viajes de agua

Eva Lootz

Fue expuesta desde el 24 de octubre de 2009 hasta 8 de noviembre de 2009.

La exposición de Eva Lootz “Viajes de Agua” incluye obras de nueva producción que se han realizado específicamente para La Casa Encendida y gran parte de las series del proyecto “Hidrografías”, en el que la artista trabaja desde 2005 y que tiene como objeto el agua y concretamente los ríos de la Península Ibérica. La exposición trata temas como las transformaciones históricas del curso de los ríos, la incidencia en el desarrollo de las ciudades, los estratos superpuestos de las toponimias, la fisonomía del territorio, la política hidráulica o el peligro de la mercantilización del agua, todo ello a través de dibujos, paneles, vídeos, cajas de luz y esculturas.

Camuflajes

La colectiva, comisariada por Maite Méndez y Pedro Pizarro, está compuesta por Angeles Agrela; José Ramón Amondarain; Liu Bolin; Manuel Cerda; Chema Cobo; Monica Duncan and Lara Odell; Lalla Essaydi; Leo Fabrizio; Adonis Flores; Joan Fontcuberta; Laurent La Gamba; Rogelio López Cuenca; Maider López; Carmen Mariscal; Laura Marte; Mateo Maté; Carlos Miranda; Sonia La Mur; Juan Luis Moraza; Yasumasa Morimura; Harvey Opgenorth; Desiree Palmen; Domingo Sánchez Blanco; Francesca Woodman; Gina Zacharias; Eleanor Antin; Emilio Fantin; Alfredo Jaar; Ottonella Mocellin; Ria Pacquée; Cesare Pietroiusti y Cesare Viel.

Fue expuesta desde el 17 de septiembre de 2009 hasta 1 de noviembre de 2009.

La exposición se propone rastrear y describir la presencia del camuflaje en la creación artística reciente. El camuflaje es signo recurrente de nuestra cultura visual: se ha convertido en señal distintiva de las tribus urbanas, en soporte fashion de las grandes firmas de prêt-à-porter, en atributo favorito de cantantes de moda, en protagonista de películas que retratan nuestra condición.

Y también en noción clave para articular una reflexión estética, política y antropológica sobre cuestiones relativas a la conformación de la identidad y de la subjetividad, o el reconocimiento del engaño, la vigilancia, el control, el simulacro, el disfraz, la construcción de lo real o la manipulación como signos distintivos de las sociedades contemporáneas. El conjunto de obras y artistas seleccionados para esta exposición permite apreciar la variedad de papeles que desempeña el camuflaje en la creación actual: como idea, como motivo de inspiración, como patrón formal, como estrategia artística, como síntoma social, como método femenino, etc.

La colectiva, comisariada por Maite Méndez y Pedro Pizarro, está compuesta por Angeles Agrela; José Ramón Amondarain; Liu Bolin; Manuel Cerda; Chema Cobo; Monica Duncan and Lara Odell; Lalla Essaydi; Leo Fabrizio; Adonis Flores; Joan Fontcuberta; Laurent La Gamba; Rogelio López Cuenca; Maider López; Carmen Mariscal; Laura Marte; Mateo Maté; Carlos Miranda; Sonia La Mur; Juan Luis Moraza; Yasumasa Morimura; Harvey Opgenorth; Desiree Palmen; Domingo Sánchez Blanco; Francesca Woodman; Gina Zacharias; Eleanor Antin; Emilio Fantin; Alfredo Jaar; Ottonella Mocellin; Ria Pacquée; Cesare Pietroiusti y Cesare Viel.

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Hola, ¿cómo estás?

Zoe Strauss

Fue expuesta desde el 19 de septiembre de 2009 hasta 19 de septiembre de 2009.

Provocadora, solidaria y socialmente reivindicativa, Zoe Strauss es una artista conceptual que lleva nueve años desarrollando el proyecto visual “I-95”, que culmina anualmente en una exposición efímera que se celebra bajo la autopista interestatal I95 al Sur de Filadelfia. Su activismo militante la llevó a fundar el Philadelphia Public Art Project. Su trabajo ha sido expuesto en la Bienal de Whitney 2006, en el Museo de Arte de Filadelfia y en la Bruce Silverstein Gallery en Nueva York. Su primer monográfico, “América”, fue publicado en 2008 por AMMO books. Su obra ha sido también publicada en el número 9 de la revista C International Photo Magazine (www.ivorypress.com). Durante La Noche en Blanco, Zoe Strauss realizará un recorrido fotográfico por el barrio de Lavapiés, partiendo de su exposición efímera en la Sala A de La Casa Encendida.

Book Space

Elín Hansdóttir

Fue expuesta desde el 5 de mayo de 2009 hasta 30 de agosto de 2009.

La Biblioteca de La Casa Encendida se suma al programa Intervenciones acogiendo la obra Book Space, de la artista islandesa Elín Hansdóttir (Reykiavik, 1980). La biblioteca itinerante de Hansdóttir está formada por 2.000 libros en blanco, de 200 páginas cada uno. Estos libros van viajando por diversas bibliotecas públicas de todo el mundo dónde los lectores toman prestado un ejemplar para crear su propio libro. El objetivo de la artista es generar un archivo vivo, en proceso, que refleje el imaginario actual en forma de relato colectivo.

Mistaken Identity

The Hilton Brothers

Fue expuesta desde el 10 de julio de 2009 hasta 30 de agosto de 2009.

La Casa Encendida de Obra Social Caja Madrid acoge la muestra Mistaken Identity de The Hilton Brothers (Christopher Makos y Paul Solberg). Los Hilton Brothers surgen como identidad artística de una serie de colaboraciones entre estos dos artistas. Hace años, durante un viaje, se dieron cuenta de que les interesaban los mismos temas y, como juego, decidieron empezar a fotografiar las mismas cosas. La idea de la identidad, quién tomó qué foto y porqué esa diferencia se discernía, les llevó a empezar una serie de dípticos en los que fotografiaban dos objetos por separado para luego unirlos en la misma impresión. Así comenzaron a explorar otros proyectos en colaboración.

Las fotografías de los Hilton poseen un punto de vista en el que la ingenuidad se encuentra tamizada por un cierto cinismo contemporáneo. Sus imágenes, recogidas en sus viajes por el mundo, acaban por ser parceladas y reconstruidas, sin que las diferentes ubicaciones de lugares sean otra cosa que paneles de retazos estéticos, para conformar obras que forman parte intrínseca de su filosofía de vida, del gusto y la cultura americana.

Los 65 trabajos que se presentarán en ésta exposición parten desde su desarrollo como artistas individuales, hasta su trabajo actual, momento en el que sus fotografías se convierten en obras conformadas por dos identidades, que se funden y desaparecen. Con sus retazos de realidad, buscan abrir una ventana para el espectador, por la cual asomarse para descubrir la confluencia extraña que se produce entre lo chocante y lo estético. Los Hilton pretenden presentar su modo de hacer arte frente al complejo, desafiante y banal mundo del siglo XXI.

Además y como una de las actividades paralelas, Los Hilton Brothers expondrán en un taller dirigido a los jóvenes artistas, sus conocimientos, y estrategias para trabajar en el complejo medio artístico. Las formas de acercarse a la esfera de círculos que estimulan la producción de proyectos artísticos y cómo proponer diversas formas de creación a posibles patrocinadores.

Instalación URBANACCIÓN

CASCOLAND, Durban/ ECObox, París/ FRUIT DU FRIGO, Bordeaux

Fue expuesta desde el 18 de marzo de 2009 hasta 28 de junio de 2009.

Los solares urbanos y las intervenciones ejecutadas en ellas no son materia nueva ni son estrictamente originales. Se llevan haciendo desde los Green Guerillas de Nueva York, cuando la crisis financiera tumbó gran parte de los edificios de Manhattan, hasta las intervenciones de Aldo Van Eyck en Ámsterdam, después de la destrucción de la mitad de la ciudad como consecuencia de los bombardeos aéreos que sufrieron durante la Segunda Guerra Mundial. Con esta instalación queremos destacar la capacidad, por parte de un colectivo, para llevar a cabo este tipo de acciones en el entorno urbano sin más pretensión que el bienestar y el disfrute de la comunidad a quien va dirigida

Festival Internacional In-Presentable 09

treinta artistas locales e internacionales

Fue expuesta desde el 17 de junio de 2009 hasta 28 de junio de 2009.

Durante doce días y doce noches (del 17 al 28 de junio), La Casa Encendida alberga el festival In-Presentable 09. La edición de este año se convierte en una plataforma que reúne in situ a más de treinta artistas locales e internacionales que practican distintas disciplinas.

Esta séptima edición del festival cuenta con seis espectáculos que reinventan los significados de interpretar, bailar y hacer coreografías. Como novedad, los grupos artísticos concederán al público un papel protagonista que influenciará en el proceso y en el resultado artístico de los experimentos.

In-Presentable 09 ha invitado a Antonia Baehr, artista berlinesa, para trabajar durante 4 semanas con 6 jóvenes artistas. El resultado de este trabajo se representará dentro de la programación de In-Presentable 09 en varios espacios de La Casa Encendida.

El programa está concebido para desarrollarse en cuatro series: empezando con talleres por la mañana y continuando con trabajos en proceso por la tarde, además de experimentos y espectáculos hasta la noche.

Dentro de las actividades del festival se desarrollará el taller Crítica activa, con Isabel Naverán y Bojana Cjevic que ofrece la oportunidad de vivir una intensa experiencia en la que la práctica de la crítica se realizará a través de debates, discusiones y nuevas formas de escritura que tendrán lugar dentro de los propios espectáculos.

Los trabajos en proceso se llevarán a cabo en varios espacios de La Casa y constan de seis trabajos y un proyecto de documentación que pretenden reflexionar sobre la danza y la escena contemporánea.

Los nuevos formatos son eventos que proponen experimentar en marcos, estrategias y contenidos de representación.

Por último, tenemos los Espectáculos que mostrarán los trabajos más recientes de los artistas; Jefta van Dinther/Mette Ingvartsen, Eszter Salamon, Gerald Kurdian, Xavier Le Roy, además de Antonia Baehr y Bárbara Bañuelos.

Retratos de Nueva York: Fotografías del MoMA

Berenice Abbott, Diane Arbus, Harry Callahan, Henri Cartier-Breson, Walter Evans, Lee Friedlander, Helen Levitt, Cindy Sherman, Irving Penn y Alfred Stieglitz.

Fue expuesta desde el 27 de marzo de 2009 hasta 14 de junio de 2009.

La Casa Encendida de Obra Social Caja Madrid y The Museum of Modern Art de Nueva York –con el apoyo de The Internacional Council of MoMA– organizan la exposición “Retratos de Nueva York: Fotografías del MoMA”, que da a conocer una parte esencial del patrimonio del MoMA: su colección fotográfica. Comisariada por Sarah Hermanson Meister, Conservadora del Departamento de Fotografía del Museo, se trata de un recorrido por la historia de la fotografía a través de la obra de más de 90 autores, con la emblemática ciudad como telón de fondo. Entre los fotógrafos representados cabe destacar a Berenice Abbott, Diane Arbus, Harry Callahan, Henri Cartier-Breson, Walter Evans, Lee Friedlander, Helen Levitt, Cindy Sherman, Irving Penn y Alfred Stieglitz.

Para Sarah Hermanson Meister, Conservadora del Departamento de Fotografía del MoMA, “Retratos de Nueva York refleja ampliamente la historia de sinergias de este medio y de la Gran Manzana a lo largo de un periodo de importantes transformaciones para ambos. Las fotografías creadas a través del inquieto y constante compromiso de numerosos fotógrafos con la ciudad de Nueva York han constituido una parte fundamental de la percepción que los neoyorquinos tienen de la ciudad y de sí mismos. Además, estas fotografías también han marcado la imagen de la ciudad en la imaginación del mundo.

(…) El paisaje urbano de la ciudad es una combinación de lo viejo y lo nuevo en continua evolución, y estas transformaciones físicas se repiten en los cambios demográficos que han definido la ciudad desde la década de 1880, cuando comenzó la llegada en masa de inmigrantes. La misma diversidad se aprecia en la fotografía de Nueva York de las cuatro últimas décadas. De la misma manera que sus arquitectos se inspiran y se limitan por los edificios colindantes y los códigos zonales, y al igual que los habitantes aprenden y se rozan entre sí y con las generaciones anteriores, los fotógrafos de Nueva York transportan la memoria visual de un repertorio amplio y extraordinario de imágenes de la ciudad y se enfrentan al reto de crear obras nuevas que vayan más allá de las tradiciones y respondan al qué hay de nuevo en Nueva York”.

retrospectiva

Antonin Artaud

Fue expuesta desde el 3 de abril de 2009 hasta 7 de junio de 2009.

La exposición cuenta con la participación excepcional de la Bibliothèque Nationale de France, del Centre Georges Pompidou de París y la colaboración de su único heredero, el Sr. Serge Malausséna, así como la de otras instituciones y coleccionistas privados. En el catálogo, que acompaña la exposición, se incluyen algunos textos de Artaud, traducidos, por primera vez al español, de la mano de Mauro Armiño, Premio Nacional de Traducción.

Simultáneamente, dentro de las actividades paralelas, en el ciclo “Artaud. Cine” se proyectará una selección de películas que nos mostrarán la faceta de actor y guionista del artista, además, de poder descubrir su legado e influencia en directores posteriores. Entre tanto, Vicente Molina Foix coordinará unas jornadas en torno a la figura de Artaud y, a finales de mayo, se representará una Radioperformance inspirada en el programa que realizó Artaud para la Radio Nacional Francesa.

Antonin Artaud pertenece al grupo de pensadores que revolucionaron la escena del siglo XX; actor y crítico de arte en los años treinta, fue un viajero experimental, narrador, dibujante y, sobre todo, poeta. Conocido como escritor y reconocido como teórico de una nueva forma de entender el teatro, su texto El teatro y su doble sigue leyéndose, en el ámbito de las artes escénicas, con la misma devoción que las teorías de Stanislavski o Grotowski.

Lázaro Saavedra

Cubano

Fue expuesta desde el 2 de marzo de 2009 hasta 29 de marzo de 2009.

La muestra está dividida en tres partes que ordenan, a pesar de sus mutuas interferencias, las principales perspectivas estéticas y políticas que caracterizan la obra del artista. Es importante subrayar la forma en la que se relacionan o se desdibujan los diferentes géneros y tendencias que vienen asentándose alrededor del vídeo, junto a posturas conceptuales y neoconceptuales, que servirán de fundamento para el despliegue de temas universales o de aquellos que emanan de sus vivencias e inquietudes vinculadas con el proceso social y la cultura cubana. Graduado del Instituto Superior de Arte de La Habana. Su creación abarca distintos géneros y tipos de arte, como la pintura, la vídeo-instalación, el videoarte y la performance. Entre sus principales exposiciones individuales se destacan: “El desafío de mi arte” (Cuarta Bienal de La Habana, Galería Servando Cabrera Moreno, La Habana), “Estipendiaten” (Ludwig Forum für Internationale Kunst, Aquisgran, Alemania), “Cuerpo, alma y pensamiento” (Galerie S., Aquisgran, Alemania), “Masaje Mental” (Rice University’s Media Center, Houston, Nueva York) y “Muriendo Libre” (Diverse Works Artspace, Houston, Nueva York).

Somewhere in Between

Pierre Coulibeuf

Fue expuesta desde el 12 de febrero de 2009 hasta 15 de marzo de 2009.

Espacio A Entrada libre Ciclo de cine Pierre Coulibeuf Viernes 13, 20 y 27 de febrero Sala Audiovisual