Exposiciones anteriores en CaixaForum Madrid

Maternidades

Bru Rovira

Fue expuesta desde el 6 de noviembre de 2009 hasta 28 de febrero de 2010.

«Maternidades» es un proyecto compuesto por una serie de fotografías instantáneas realizadas en todas partes del mundo en las que aparece una madre y un hijo. A través de estas imágenes y los textos que las acompañan, ambos del fotógrafo y periodista Bru Rovira (premio Ortega y Gasset 2004), viajamos por países y culturas diferentes. A pesar de que las situaciones pueden ser muy adversas —guerra, enfermedad, hambre, pobreza, etc.— las fotografías captan la maternidad como una relación única donde sobresale la belleza y el amor.

En palabras de Bru Rovira: «La relación entre una madre y su hijo pertenece a este universo inmaterial, privado e íntimo capaz de sobrevivir a cualquier situación por mal que vayan las cosas.»

«Maternidades» comenzó con las fotos y narraciones de Bru Rovira y ha ido creciendo a partir de los trabajos de los escolares, que han ido incorporando su propia creatividad. La muestra se acompaña de algunos de estos trabajos.

Historia en Curso

Hannah Collins

Fue expuesta desde el 19 de noviembre de 2009 hasta 21 de febrero de 2010.

El carácter épico y sin embargo tierno de las fotografías panorámicas de Collins también se evidencia en sus films. La Mina, Paralelo e Historia en curso (un encargo de Fundación ”la Caixa”) son exploraciones ricas y complejas del poder de la localización. Estos films y estas fotografías, que reúnen trabajos creados en España, Francia, Inglaterra, Italia, Turquía y Suráfrica, se combinan de varias formas para plantear una de las preguntas cruciales de nuestro tiempo: ¿Qué significa hogar en un mundo dominado por fuerzas impredecibles?.

El arte de Hannah Collins, poético y al mismo tiempo político, responde a nuestra necesidad de formas de expresión que puedan ser privadas y públicas. Se trata de un arte con un impulso realista para describir las complejidades del mundo tal y como es, pero deseando también uno mejor.

La Mina
En 2001, Hannah Collins y su equipo filmaron veinticuatro horas de metraje con película de 35 mm en una extensa zona de Barcelona habitada principalmente por la comunidad gitana. El film resultante se sitúa a medio camino entre el documental de observación y un enfoque más basado en la actuación y en la colaboración. Aunque algunas escenas se planificaron y se interpretaron, otras son situaciones surgidas espontáneamente y captadas por la película.

La Mina huye de un punto de vista único. En este sentido, evita los retratos fijos y estrechos de miras sobre la vida actual de la comunidad gitana. En lugar de esto, Collins construye un film complejo, intrincado y rítmico basado en los motivos repetitivos y el simbolismo de la propia ciudad. Alejándose de las pautas del cine y de los documentales convencionales, La Mina presenta a los espectadores un atractivo puzzle social, estético, político y ético a la vez.

Parallel (Paralelo)
Paralelo es un film basado en el reto de representar el movimiento internacional de las personas, tan característico de la vida contemporánea. Collins se sirve de tres pantallas para describir tres experiencias muy distintas acerca del espacio temporal y físico, en el contexto de la inmigración. Paralelo explica la historia de tres personas. Dewa, un camerunés de un pequeño pueblo, arriesga su vida para trasladarse a Madrid; habla francés y está estudiando español, pero tiene dificultades para conseguir una vida estable. Pamela pertenece a una extensa familia ugandesa y vive con su marido, un diplomático italiano, en Roma; es ambiciosa, de mentalidad independiente y trabaja para la Organización para la Agricultura y la Alimentación (FAO) de las Naciones Unidas en Roma y París. Constantine llegó a Londres hace ocho años, procedente de Costa de Marfil; está divorciada y vive con su hijo de siete años y es miembro de una iglesia evangélica a la que dedica gran parte de su vida.

Paralelo se escapa de la estadística fría y de la retórica política inflamada sobre la emigración hacia el ”corazón de Europa”. En lugar de esto, Collins ofrece un film que es al mismo tiempo un conjunto de retratos de personas individuales y una fotografía más amplia de la situación socioeconómica.

Current History (Historia en curso)
Historia en curso presenta un día en la vida de la familia Chiline y de otras personas de la población de Beshencevo, en las afueras de Nizhny Novgorod, en la Rusia central. Aquí vemos el contraste entre el tejido del pueblo presoviético y la desgastada ciudad postsoviética. La situación actual en Rusia no es ni estable ni predecible. Descubrimos que cada miembro de la familia se adapta a los cambios de una forma distinta. Sobre el telón de fondo de las decisiones políticas distantes y casi abstractas, se halla consuelo en el juego, la religión y la superstición. Los pocos niños que quedan en el pueblo reciben una educación clásica, pero disponen de pocos medios para ser conscientes de todas las fuerzas que dirigen sus vidas y sus elecciones personales.

Edouard, miembro de la familia Chiline, conoció la obra de Collins en Amsterdam e invitó a la artista a visitar su pueblo. Después de una visita inicial, regresó allí en lo más crudo del invierno, con todo su equipo. Estuvo filmando durante catorce días, a partir de un guión escrito por el propio Edouard junto con otros habitantes. Las siete horas de metraje que obtuvo han sido editadas en dos versiones del film, una para mostrarse en galerías de arte y otra para un formato cinematográfico.

Palladio el arquitecto (1508-1580)

Palladio el arquitecto

Fue expuesta desde el 7 de septiembre de 2009 hasta 17 de enero de 2010.

Gracias a su conocimiento profundo de la arquitectura del mundo clásico, ideó un armonioso sistema de planos y alzados que daba lugar a construcciones sorprendentes, por ingeniosas y conmovedoras para la combinación perfecta de belleza y funcionalidad.

A través de más de 200 obras, esta exposición recorre la trayectoria profesional de Palladio, desde su época adolescente de picapedrero en Padua hasta los tiempos de intelectual y arquitecto predilecto del Estado veneciano, aristócratas y autoridades religiosas. Pone también de relieve el compromiso del arquitecto con el humanismo, que avivó su determinación de forjar un lenguaje arquitectónico nuevo y adaptado a su época. La exposición explora también la influencia que ha ejercido en las generaciones posteriores de arquitectos como Arata Isozaki, David Chipperfield, Richard McCormac, Toh Shimazaki o Jiménez Torrecillas, entre otros.

Exposición organizada en colaboración con la Royal Academy of Arts de Londres y el Centro Internazionale di Studi di Architettura Andrea Palladio de Vicenza, con la participación del Royal Institute of British Architects de Londres.

De casa a la ciudad

Richard Rogers + Arquitectos

Fue expuesta desde el 9 de julio de 2009 hasta 18 de octubre de 2009.

El último humanista. Así se ha definido a Richard Rogers por su creencia en la sociedad civil y en la relación existente entre el espacio constructivo y la inclusión social. La exposición ilustra la fascinación de este arquitecto británico por el movimiento moderno a través de la concepción del edificio como máquina y de su interés por una arquitectura clara y transparente.

Camboya, tierra de esperanza

Oriol Gispert y Gervasio Sánchez

Fue expuesta desde el 19 de junio de 2009 hasta 18 de octubre de 2009.

La exposición «Camboya, tierra de esperanza» quiere aproximar a los visitantes a la realidad de Camboya, un país que, tras muchos años de guerra y sufrimiento, mira ahora hacia adelante. La muestra se detiene en personas anónimas cuyas vidas ejemplifican el espíritu de lucha y superación de la Camboya de hoy.

La muestra ha sido realizada a partir de los documentales de Oriol Gispert y las fotografías de Gervasio Sánchez, uno de los fotoperiodistas más reputados y reconocidos dentro y fuera de nuestras fronteras. El trabajo fotográfico de Gervasio Sánchez, presentado por primera vez en esta exposición, refleja desde muy cerca la vida cotidiana de los habitantes de Camboya.

La exposición está dividida en tres ámbitos temáticos cuyo elemento común es la tierra. Estos tres ámbitos son los siguientes:

1. Minas, siembra de dolor. Este ámbito representa el pasado. Para entender el presente de Camboya es necesario remitirse a su reciente y doloroso pasado. Los conflictos bélicos y la feroz dictadura de Pol Pot han marcado el devenir de Camboya. Tres décadas de luchas y odios con la dramática consecuencia de las minas antipersonales, que han convertido a Camboya en el país con el mayor número de discapacitados físicos del mundo. La tierra se asocia a sufrimiento y destrucción.

2. Arroz, campos de vida. El segundo ámbito representa el presente y hace referencia a la vertiente económica de Camboya. Tras años de penurias y hambrunas, la tierra recupera su poder para proporcionar alimentos. El crecimiento económico de Camboya va ligado al desarrollo de la agricultura, y muy especialmente al cultivo de arroz, alimento de atribuciones divinas y fundamental para la vida en el continente asiático. También la pesca es un factor de inmensa riqueza para el país. El lago Tonlé Sap, en el centro del país, representa una de las fuentes de pescado de agua dulce más importantes del mundo.

3. Construyendo caminos. El tercer ámbito representa el futuro. Camboya quiere recuperar su identidad cultural, social y económica en el contexto del nuevo mundo. Las ciudades crecen, pero también se recuperan tradiciones ancestrales como la danza apsara o el budismo Theravada, perseguido durante años. Los jóvenes representan más del 50 % de la población, lo cual supone una fuerza innegable, un salto firme hacia el mañana. Es la tierra donde se cimientan los nuevos y esperanzadores caminos de Camboya.

Camboya Tierra de esperanza

Gervasio Sánchez

Fue expuesta desde el 19 de junio de 2009 hasta 31 de agosto de 2009.

La exposición quiere aproximar al visitante a la realidad de Camboya, un país que después de muchos años de guerra y sufrimiento mira ahora hacia adelante. La muestra se detiene en personas anónimas cuyas vidas ejemplifican el espíritu de lucha y superación de la Camboya de hoy. La exposición presenta documentales de Oriol Gispert y fotografías de Gervasio Sánchez, Premio de Periodismo Rey de España 2009 por el compromiso social de su trabajo. Las fotografías de Gervasio Sánchez, que se presentan por primera vez en esta muestra, reflejan desde muy cerca la vida cotidiana de los camboyanos.

Un instinto fauve

Maurice de Vlaminck

Fue expuesta desde el 11 de marzo de 2009 hasta 7 de julio de 2009.

Desde la influencia del postimpresionismo hasta la definición del fovismo y la recuperación del cezanismo, la exposición Maurice de Vlaminck. Un instinto fauve incide en el período vanguardista del autor, el anterior a la Primera Guerra Mundial. La muestra pone de relieve la esencia de la obra de Maurice de Vlaminck (1876-1958), su importancia en la renovación de la pintura dentro de la vanguardia europea de principios del siglo XX. También se incluyen algunas pinturas de juventud que confirman la solidez y violencia de su expresión, características que le valieron ser uno de los fauves más radicales de su generación. Las pinturas expuestas, comprendidas entre los años 1900 y 1915, muestran la evolución estilística de Vlaminck durante este período. Vlaminck fue un pintor totalmente autodidacta, tanto que presumía incluso de no haber visitado nunca el Museo del Louvre. Hasta 1900 no se planteó dedicarse profesionalmente a la pintura. Su primera exposición pública fue en el Salon de Automne de 1905 donde exhibió siete cuadros al lado de otras obras de Matisse, Derain, Marquet, Manguin o Camoin. El estilo vital y libre en la aplicación del color y de la línea les valió el apelativo de fauves por el crítico francés Vauxcelles, que originó la denominación de fovismo. La exposición, el grueso de la cual se presentó en el Museo Luxembourg de París, además de recoger los últimos estudios críticos sobre una de las figuras clave del fovismo, incide en dos aspectos que le confieren un carácter particular: se exhibe la colección de escultura negra que reunió el propio pintor y su breve aproximación al lenguaje cerámico, decorando vasijas, platos y bandejas con flores, animales o arabescos extraídos del repertorio popular o de su propia creación.

El mar de Barceló

Presentación del proyecto de Miquel Barceló para la Sala XX de las Naciones Unidas en Ginebra

Fue expuesta desde el 1 de marzo de 2009 hasta 31 de mayo de 2009.

La exposición muestra el proceso de trabajo de Miquel Barceló en la cúpula de la sala de los Derechos Humanos y de la Alianza de Civilizaciones del Palacio de las Naciones Unidas de Ginebra. Toma como punto de partida el óleo Marejadilla, 2002 en el que por vez primera planteó la idea del mar de estalactitas y reconstruye las diferentes etapas de la elaboración de esta obra colosal, que el visitante puede contemplar en una espectacular maqueta. Uno de los elementos principales es el dietario de Barceló en acuarelas, con textos y dibujos que muestran los diferentes estados de ánimo del artista, sus éxitos, frustraciones, dudas, o satisfacciones. Las fotografías de Agustí Torres muestran al pintor en plena tarea y presentan puntos de vista inéditos: las tentativas para consolidar el techo monumental, las técnicas utilizadas para romper la superficie y crear contrastes de luz y sombras, y los movimientos del artista sobre el andamio que se han comparado con la danza de un chamán.

Zonas de riesgo

En la exposición en CaixaForum Madrid se mostrarán obras de Carlos Amorales, Eija – Liisa Ahtila, Txomin Badiola, Francesco Clemente, Stephen Dean, Alicia Framis, Mona Hatoum, José Antonio Hernández-Díez, Craigie Horsfield, Shirin Neshat, Adrian Paci, Miguel Ángel Ríos y Jana Sterback.

Fue expuesta desde el 11 de febrero de 2009 hasta 26 de marzo de 2009.

La Colección de Arte Contemporáneo Fundación "la Caixa" está formada por más de 750 obras y en sus fondos figuran trabajos de los artistas más importantes de los últimos treinta años. Desde las primeras incorporaciones de obras del minimalismo, el arte povera, la pintura expresionista y la escultura de los años 80, la Colección ha reunido una magnífica representación de artistas fundamentales de los últimos años y ha apostado por creadores en el inicio de sus carreras. Esta tarea ha requerido un riguroso seguimiento de la evolución estética contemporánea, necesaria para que la Colección mantenga un espíritu abierto e innovador.

En los últimos años, el arte no ha dejado de expresar su visión de los conflictos que afectan a nuestra existencia en este mundo cada vez más incierto e impredecible. Los artistas manifiestan en sus obras unas actitudes provocativas y de resistencia ante el inquietante escenario actual, en el que la sensación de vulnerabilidad forma parte del estado de normalidad de nuestra sociedad. Hoy, todo lo que ocurre en alguna parte del planeta repercute inevitablemente en el resto. La libre circulación del capital y la creciente movilidad de la población, así como la comunicación instantánea de productos, imágenes e información, han puesto al descubierto cada rincón del mundo. Ya no existen lugares donde escaparse ni donde ponerse a cubierto. Con la globalización, la sociedad se percibe a sí misma más expuesta al riesgo que nunca.

La exposición Zonas de riesgo recoge la sensibilización del arte por nuestro presente social, económico, político y cultural. Está compuesta por obras de la Colección de Arte Contemporáneo Fundación ”la Caixa”, de una veintena de artistas de diferentes generaciones y países, que exploran y formulan su visión de la sociedad demostrando una gran capacidad para expresar de forma estética la compleja realidad en la que vivimos.

La Escuela Yi: treinta años de arte abstracto chino

Fue expuesta desde el 14 de noviembre de 2008 hasta 16 de febrero de 2009.

Esta exposición ofrece por primera vez una visión exhaustiva de conjunto del arte abstracto chino contemporáneo fuera de China. A diferencia de otras muestras actuales internacionales sobre arte chino contemporáneo, que esencialmente se centran en los estilos realista y figurativo, plasmados en pinturas al óleo y fotografías, con ésta se pretende mostrar una vertiente diferente del arte chino contemporáneo que ha permanecido en la penumbra, tanto dentro como fuera del país.

Aproximadamente ochenta obras en diferentes formatos —como pintura, escultura e instalación— creadas por más de cuarenta artistas de distintas épocas durante las tres últimas décadas, ofrecen testimonio de cómo los artistas chinos, a través del concepto de Yi, han respondido al cambio social y cultural dando paso a una especie de ”arte abstracto” o ”modernidad” de raíces alternativas y chinas, que combina la filosofía y la estética tradicionales de este país, el budismo zen, la modernidad occidental y el arte conceptual contemporáneo.

Yi: un término que representa el estado de contemplación y meditación de los creadores, el modo en que los artistas o los poetas piensan sobre su entorno o lo observan, es el punto de partida de esta muestra. De hecho, la definición e interpretación del arte de la Escuela Yi, que podría ser similar al arte abstracto occidental, no se puede basar en las dicotomías entre objetividad y subjetividad, entre obra de arte y artista, entre forma y significado, sino que debe entenderse como la expresión de un estado concreto de apertura y una metáfora de la realidad vivida.

A finales de la década de 1970 y principios de la de 1980, las autoridades consideraban la forma abstracta en sí misma como una producción burguesa. Por otra parte, no podemos obviar el papel político del arte abstracto chino en esa época. Así pues, en la segunda mitad de los años ochenta, gracias a la influencia de la modernidad y la posmodernidad occidentales, muchos artistas de vanguardia del Movimiento del 85 se comprometieron a crear una especie de arte metafísico oriental, combinando los símbolos culturales tradicionales y el surrealismo occidental.

Príncipes etruscos. Entre Oriente y Occidente

Varios Artistas

Fue expuesta desde el 10 de octubre de 2008 hasta 18 de enero de 2009.

Todavía hoy se sigue hablando del «misterio etrusco», debido a sus peculiaridades etnográficas, lingüísticas, religiosas, políticas y culturales, que hacen a los etruscos tan diferentes de los demás pueblos de la Italia antigua. Los príncipes etruscos se representaban a ellos mismos sentados en tronos, acompañados de sirvientes, a la manera de los reyes de Lidia y Persia. ¿Se trata de un pueblo oriental que migró desde Asia Menor y se estableció en la Toscana, tal y como afirmaba el historiador griego Heródoto? ¿O eran habitantes autóctonos, tal y como defensaba Dionisio de Halicarnaso en la época del emperador Augusto?

El pueblo etrusco es el más conocido de todos los que ocuparon la península italiana durante la antigüedad. En dos escasos siglos, entre el X y el IX a.C., llegaron a dominar una gran parte de la Italia prerromana: la actual Toscana y una parte de Umbría y del Lacio septentrional. La misma Roma, una ciudad latina importante, estuvo sometida a la influencia política y cultural de Etruria, bajo la dinastía etrusca de los Tarquinios, que reinaría en Roma entre finales del siglo VII a.C. y el último decenio del VI a.C.

El apogeo de su civilización empieza con la aparición de grandes centros protourbanos, donde ya es posible identificar élites emergentes con caudillos capaces de controlar los recursos agrícolas y minerales del territorio, pero también con personajes femeninos de rango elevado, tal y como se desprende de dos ajuares funerarios que recoge la exposición y que evidencian el nacimiento de una clase aristocrática. En el denominado «periodo orientalizante», durante los siglos VIII y VII a.C., se afirma una sociedad dominada por familias principescas, particularmente ricas que, como habían incorporado los usos y las costumbres del mundo griego y grecoriental, dejaron amplios testimonios de su poder y su riqueza, expresados en singulares objetos de bronce y otros materiales preciosos, utilizados por los príncipes etruscos para el servicio del banquete o del simposio, un ritual de influencia griega para el consumo de vino; o la orfebrería de oro, que en Etruria alcanza un grado de refinamiento extremo, con decoraciones de un granulado finísimo.

A partir del siglo VI a.C. las ciudades-estado de Etruria experimentan un gran desarrollo urbano, con una original arquitectura monumental que se aplica tanto a la esfera privada como a la pública. En esta exposición vemos muestras de la arquitectura sacra y diversos aspectos de la religión, la producción artística, la vida cotidiana y los usos funerarios, depósitos votivos, objetos de producción etrusca o de importación griega, grandes sarcófagos y frisos pintados descubiertos en tumbas principescas de Tarquinia.

Las obras han sido cedidas por el Musée du Louvre, el Museo Gregoriano Etrusco de Ciudad del Vaticano, el Museo Nacional Etrusco de la Villa Giulia y los Museos Capitolinos, los dos de Roma, y sobre todo por el Museo Arqueológico Nacional de Florencia, entre otros muchos museos italianos.