Exposiciones anteriores en Galería DIONIS BENNASSAR

Otra escena

Pep Carrió. Isidro Ferrer y Emilio Gil

Fue expuesta desde el 14 de mayo de 2010 hasta 5 de junio de 2010.

Pep Carrió (Palma de Mallorca, 1963) comparte su trabajo como diseñador gráfico, especialmente enfocado al ámbito cultural y editorial, con su labor como artista plástico. Este trabajo se ha visto reflejado en numerosas exposiciones colectivas e individuales, en las que ha destacado siempre la fuerte personalidad artística, poética y conceptual de sus obras e instalaciones.

Isidro Ferrer (Madrid, 1963) se forma como diseñador en Barcelona en el estudio de Peret (1989). Es miembro fundador del grupo Camaleón (1990). En 1996 establece su propio estudio en Huesca desde donde desarrolla su trabajo en el entorno de la gráfica: cartelismo, ilustración, diseño editorial, animaciones para TV y edición. Desde el año 2000 es miembro de AGI (Alliance Graphique International). Emilio Gil (Madrid, 1949) se forma en la SVA (School of Visual Arts) de Nueva York con Milton Glaser, James McMullan y Ed Benguiat como profesores y en la Central St. Martins de Londres en Comisariado de exposiciones. Fundador en 1980 de Tau Diseño, una de las empresas españolas pioneras en servicios de Diseño. Es presidente, desde junio de 2009, de AEPD (Asociación Española de Profesionales del Diseño).

Obras imaginativas de tres importantes creadores que provocan al espectador por su audacia, significado y hallazgo poético. Es la mirada del artista la que, en definitiva, convierte los simples objetos en obras de arte. En esta exposición el espectador encontrará sobrados motivos para el deleite de la mirada.

Diálogos Ciencia-Arte

Antonio Calleja (Madrid,1960)

Fue expuesta desde el 10 de abril de 2010 hasta 5 de mayo de 2010.

El propio autor afirma que: Hasta hace poco tiempo, el simple hecho de imaginar que los inefables misterios de la belleza y de su creación pudieran ser objeto de una investigación científica parecía un sacrilegio. Durante las últimas décadas, sin embargo, el saber sobre el cerebro del hombre y sus funciones cognitivas ha progresado de modo espectacular influyendo tanto en la ciencia como en el arte.

Juan Pérez Mercader, uno de los más brillantes científicos españoles, experto en física multiescalar aplicada a la astrofísica y a la cosmología, fundador en el año 2000 del Centro de Astrobiología asociado con el NASA Astrobiology Institute y miembro de la Academia Europea de Ciencias y Artes desde 2003, explica la obra de Antonio Calleja de este modo: Antonio Calleja trata de establecer un puente entre conceptos clave de la Ciencia y expresarlos en la forma gráfica que esos conceptos concitan en su imaginación. En esta exposición se muestran una larga serie de conceptos importantes en la Ciencia y añade: Conceptos que generalmente están asociados a aspectos misteriosos de la Ciencia y que van desde la representación de la Naturaleza mediante números hasta la Integración de la Materia y la mente. El artista con su personal estilo, materico y poderoso, trata de acercar al espectador que mira en su obra claves y aspectos científicos mediante el estimulo potente de sus imágenes y colores, que transmiten su visión al espectador, al observador, a cada uno de nosotros.

Como bien dice Antonio Calleja: La ciencia no se identifica con el placer, ni el arte con la razón; pero no hay ciencia sin placer ni arte sin razón.

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colectiva

Mompó - Barón - Monir - Mirai Kobayashi

Fue expuesta desde el 11 de febrero de 2010 hasta 27 de febrero de 2010.

Manuel Hernández Mompó (Valencia 1927, Madrid 1992).

Uno de los artistas más grandes del arte contemporáneo español. Su obra es puramente mediterránea, heredera de la tradición valenciana representada por Sorolla, pero además, encontramos en sus pinturas huellas de Paul Klee y de Joan Miró.

Ya desde niño mostró una gran capacidad creativa, que dio lugar a una fértil trayectoria artística marcada por una primera etapa figurativa, que evoluciona hacia la abstracción geométrica, dotada de los ecos mediterráneos que le han hecho mundialmente conocido.

Francisco Barón (Madrid 1931, Madrid 2006)

Desde sus primeros años de vida, el artista recuerda vivencias asociadas a la forma y al color. Mucho antes de empezar a leer y a escribir aprende a dibujar y se inicia en la lectura a edad temprana. Esculpir supuso para Barón un acto poético y es por eso que, en sus obras siempre está explícita la poesía, la esencia fundamental de su creación. En este sentido, su escultura es una ampliación del mundo, con piezas que se recrean en el juego, la sorpresa y lo imprevisto.

Monir (Bangladesh, 1943)

Premio Nacional del grabado en 1997, es un reconocido artista no sólo en España sino también en el ámbito internacional. En su obra combina la tradición oriental y la occidental, con dibujos de trazos fluidos inspirados por la grafía bengalí y la estética occidental. Su dominio del uso de la luz y el color queda patente en sus obras, que realizadas con una gran maestría técnica, dejan ver su profunda formación artística e intelectual.

Mirai Kobayashi (Japón 1978)

Su obra, compleja y personal, no se incluye dentro de ninguna corriente pictórica concreta y busca en la estética de sus creaciones su propia definición. Fruto de una larga conversación con la imagen y el tratamiento de diferentes formas de representación, sus cuadros están plagados de estructuras sorprendentes. Virtuoso de la innovación técnica, su estilo se ve inmerso en continuas ‘variaciones’, pues se vale de materiales tan dispares como el óxido líquido, o el café, fruto de múltiples experimentos y una búsqueda constante.

Selección DOS

Amélie Ducommun - Charlotte Guibé - Muriel Moreau - Anne-Catherine Nesa

Fue expuesta desde el 14 de enero de 2010 hasta 6 de febrero de 2010.

Amélie Ducommun (pintura), plasma sus recuerdos de paisajes españoles en atmósferas difusas surgidas de su memoria. Charlotte Guibé (pintura), refleja el misterio de las gentes que, absortas, pasan cruzándose sin verse en el ambiente líquido de la noche urbana. Muriel Moreau (grabado) presenta una misteriosa cartografía del cuerpo humano, que relaciona el sistema circulatorio con los mapas hidrográficos. Anne-Catherine Nesa (pintura y grabado) pinta sugestivos paisajes que, en cierto modo, evocan también una textura de pieles: ¿Quizá la huella que el tiempo deja en algunas pieles, a la manera del paisaje natural que recoge la evolución de la Tierra? En definitiva, ofrecen al espectador su particular mirada al paisaje, sea éste urbano, vegetal o humano, pero siempre en construcción del imaginario que deja entrever mundos mágicos que el lenguaje verbal no puede expresar.

La Casa de Velázquez, situada en la Ciudad Universitaria de Madrid, forma parte de la red de altas escuelas francesas en el extranjero y se encuentra bajo la tutela del Ministerio francés de Enseñanza Superior e Investigación. Su originalidad reside en el carácter pluridisciplinar, pues acoge a artistas e investigadores en Ciencias Humanas. Desde su fundación, en 1928, esta institución contribuye al fomento de los intercambios artísticos, científicos y culturales entre Francia y España. Su Sección Artística reúne a trece artistas seleccionados en Francia: artistas plásticos, videoartistas, cineastas, fotógrafos, arquitectos y compositores. Todos ellos tienen garantizada la estancia en España durante un año, prorrogable un curso más. También disfrutan de una beca, anual y prorrogable, un artista valenciano nombrado por el Ayuntamiento de Valencia y otro, aragonés, designado por la Diputación Provincial de Zaragoza.

La galeria Dionís Bennàssar acaba de cumplir 21 años de promoción de artistas noveles y consagrados y ha organizado más de doscientas exposiciones a lo largo de las dos últimas décadas. Actos culturales y eventos han ido jalonando este largo itinerario permitiendo resistir las dos grandes crisis que han tenido lugar durante estos últimos 20 años.

Cuatro en línea

Domingo Huertes, Carmen Barrios, Francisco Cruz de Castro y Agustín Sciammarella

Fue expuesta desde el 4 de noviembre de 2009 hasta 30 de diciembre de 2009.

La galería Dionis Bennassar presenta Cuatro en Línea, una exposición colectiva en la que participan los artistas Domingo Huertes, Carmen Barrios, Francisco Cruz de Castro y Agustín Sciammarella.

Una muestra cuyo hilo conductor es la inquietud de cada uno por el individuo como ser social. Su mirada se detiene en los más desfavorecidos, y su veteranía profesional da como resultado una obra de arte donde fondo y forma se equilibran magistralmente. Conmueven la sensibilidad del espectador haciéndolo consciente del momento difícil que vivimos. Rara vez encontramos esa inquietud en los creadores plásticos y, al poner a los cuatro en línea, la galería apuesta por la solidaridad con los menos tocados por la suerte y la justicia social.

Domingo Huertes, escultor, presenta una obra con la que intenta reflejar los estados de angustia, dolor, desesperación, brutalidad y dureza de los desempleados, de los que están amordazados, de los que tienen el vicio inútil del trabajo, de los que gritan pero no se les escucha…

Carmen Barrios, fotógrafa, muestra un conjunto de fotografías que denomina “Espacios comunes”. Se trata de una serie de ocho imágenes tomadas en la calle y protagonizadas por mujeres, que recogen momentos de una existencia social de la que participamos al mirar y al ser mirados.

Francisco Cruz de Castro, nos presenta un conjunto de piezas donde conjuga tiempo y espacio, en las que lo antiguo, lo abandonado y en desuso, se hace protagonista en obras de gran expresividad y contundencia matérica.

Agustín Sciammarella aporta la serie "Encajadas", para la que construye espacios en los que confina a mujeres, tanto conocidas como anónimas, que han muerto o desaparecido, bien por culpa de la violencia de género, bien por la incomprensión o la persecución.

La línea, la trayectoria de cada uno, es ya muy larga y cada uno está avalado por una trayectoria llena de exposiciones y premios.

Selección UNO

Artistas de la Casa de Velázquez

Fue expuesta desde el 15 de septiembre de 2009 hasta 3 de octubre de 2009.

Con Selección UNO, la galería Dionis Bennassar y la Casa de Velázquez de Madrid inician una serie de colaboraciones tendentes a promocionar, en la capital de España, a los artistas becados por la prestigiosa institución francesa.

Tres artistas franceses, becados por segundo año como residentes en la Casa de Velázquez, han sido seleccionados para una exposición en el ámbito profesional español con el objetivo de que el mercado del arte pueda conocer sus trayectorias. Además, la galería participará en el gran encuentro que tiene lugar en Madrid cada año, conocido como La Noche en Blanco, donde la Cultura es la principal protagonista.

Aurélia Frey (fotografía), Pascal Laborde (dibujo y pintura) y el escultor Quiberon (Gilles Margaritis), ofrecen al espectador sugerentes y variados universos personales y enigmáticos que unen y cruzan entre sí lo real y lo fantástico, lo visible y lo invisible. Fotografía, pintura, dibujo o materias naturales sirven a estos creadores para sumergirnos en sus mundos sutiles y misteriosos que obligan al espectador a descifrar e interpretar sus claves y sus sugerencias.

La Casa de Velázquez, situada en la Ciudad Universitaria de Madrid, forma parte de la red de altas escuelas francesas en el extranjero y se encentra bajo la tutela del Ministerio francés de Enseñanza Superior e Investigación. Su originalidad reside en el carácter pluridisciplinar, pues acoge a artistas e investigadores en Ciencias Humanas. Desde su fundación, en 1928, esta institución contribuye al fomento de los intercambios artísticos, científicos y culturales entre Francia y España.

Su Sección Artística reúne a trece artistas seleccionados en Francia: artistas plásticos, videoartistas, cineastas, arquitectos y compositores. Todos ellos tienen garantizada la estancia en España durante un año, prorrogable un curso más.

Selección UNO se enmarca en las actividades que, a lo largo del año, la Casa de Velázquez organiza, tanto en España como en Francia para promover el trabajo de sus artistas residentes: conciertos, exposiciones, proyecciones de cine y diversos encuentros.

La galería Dionis Bennassar, lleva más de 20 años difundiendo la obra de prestigiosos artistas, alternado la presencia de veteranos y reconocidos maestros con jóvenes promesas del arte contemporáneo. Esta colaboración con la Casa de Velázquez es un peldaño más en la línea de apoyo a los jóvenes que caracteriza a la galería.

Virtual y Real

Adelaida Murillo, Toni Dionis, Resty, Carles Bros, Angel Hernansáez, Badri, Burgos Alonso, Almudena Carreño, Licata, Maad, Ivern Lluis, García-Ramos, Villadoniga Guillermo, Fernando Silva, Galserra, Valls Gloria, Summers Guillermo, Jaume Rocamora, Marzo- Mart, Raúl Utrilla, Justa Rayego y Marga Dirube.

Fue expuesta desde el 6 de agosto de 2009 hasta 12 de septiembre de 2009.

En estos momentos de crisis general y en especial del mundo del arte, la galería Dionis Bennassar quiere apoyar a sus artistas y para ello presenta una selección de sus fondos a precios muy especiales en dos escenarios, internet y galeria. Madrid, (29. Julio 09). La era digital entra de lleno en la galería Dionis Bennassar. Desde casa o desde la playa, el coleccionista podrá adquirir arte de calidad y buen precio. A través de dos escenarios, VIRTUAL, donde el cliente ve las obras en su ordenador y REAL, visitando la galería. Como cada verano, la galería Dionís Bennassar permanece abierta durante el mes de Agosto (esta vez de forma VIRTUAL y REAL) con el fin de que los amantes del arte, que residen o visitan la ciudad, puedan disfrutar de la oferta que presenta la galería. Con db VIRTUAL, también los interesados en el arte de todo el mundo tendrán acceso, desde sus pantallas, a la compra directa y a buen precio del medio centenar de obras elegidas. Los artistas seleccionados son Adelaida Murillo, Toni Dionis, Resty, Carles Bros, Angel Hernansáez, Badri, Burgos Alonso, Almudena Carreño, Licata, Maad, Ivern Lluis, García-Ramos, Villadoniga Guillermo, Fernando Silva, Galserra, Valls Gloria, Summers Guillermo, Jaume Rocamora, Marzo- Mart, Raúl Utrilla, Justa Rayego y Marga Dirube. La amplia oferta del medio centenar de obras virtuales/reales, abarca diversos estilos, pintura, escultura y obra gráfica en formatos pequeños y medianos. Los coleccionistas que no puedan acercarse a la galeria, con un simple clic podrán, adquirir la obra deseada en las condiciones de oferta presentada por Dionis Bennassar. Una forma de apoyar a sus artistas prescindiendo del beneficio habitual de la galería. No obstante, quienes visiten Madrid o residan en la capital, podrán visitar la galería y disfrutar de las numerosas obras que en sus diversas salas se exponen, viendo y tocando las texturas y sutilezas que caracterizan el estilo de cada artista.

Ulalume

María Coluccelli

Fue expuesta desde el 2 de julio de 2009 hasta 31 de julio de 2009.

María Coluccelli, expone sus últimas creaciones, durante el próximo mes de julio, en la Galería Dionis Bennassar.

La pintura de María Coluccelli se caracteriza por la búsqueda de nuevas imágenes para una temática siempre en comunión y amor por la naturaleza. Sus paisajes de gran formato tratan, a lo grande, lo más pequeño, una flor o lo más grandioso, un volcán, con la misma fuerza y expresividad.

Sus obras, en las que experimenta con óleo, barras de óleo y cera, trasmiten una sensación de ondulación potente e intranquila, ante fuerzas que no podemos casi describir, y que son contundentemente pintura.

Según Alfredo Balasch, “María Coluccelli nos entrega uno de los mas emotivos homenajes a la ”pintura - pintura”, (término acuñado por los estructuralistas y que estoy seguro no tendrían inconveniente intelectual en adscribir a sus realizaciones), en piezas como” Primeras flores I”, o “Visión bajo el agua III”, donde sin solución de continuidad, nos balancea de la mancha vibrante, filamentosa a su mundo sígnico mas personal”.

La exposición Ulalume es, además, un evento artístico y solidario. A propuesta de Maria Coluccelli, la Fundación Kirabo será beneficiaria de las ventas que se produzcan para realizar proyectos de desarrollo social y cultural en Camerún.

MADRE TIERRA: Territorio de Tránsito

Francisco Díaz Muñoz

Fue expuesta desde el 4 de junio de 2009 hasta 27 de junio de 2009.

En su obra prevalece una búsqueda constante de armonizar fondo y forma, que quiere superar el viejo debate entre materia y espíritu, a la vez que intenta evitar la tiranía de la forma. Díaz Muñoz filosofa en sus telas los temas que le preocupan y que nos afectan a todos. Señala la contradicción constante en que vivimos y se opone tanto al “dormido ser” como al “tirano tener.

Es, en cierto modo, un ecologista avant la letre. Se siente fascinado por la espontaneidad de la vida que nace de la Tierra: “Es imposible no embriagarse por la ubicuidad y movilidad de las aguas y del aire. Es inconcebible no quedar embaucado por la mágica y misteriosa eficacia de la llama, seductora y terrible al mismo tiempo”.

En la exposición “MADRE TIERRA: Territorio de Tránsito”, Díaz Muñoz manifiesta su interés por la materia como parte del cuadro. La aportación de materiales naturales: ramas, fibras naturales, maderas… se complementa con la incorporación de elementos residuales: aglomerados, metales, cables... y la configuración que denuncia la agresión ecológica como mensaje implícito. Consigue de este modo crear armonía en la composición consiguiendo un espacio limpio y lleno de expresividad.

Esta exposición, en la galería Dionis Bennassar, completa el ciclo que el autor viene desarrollando en los últimos años, y que logra una destacada conjunción, tan difícil de ver en estos momentos, entre la profundidad del contenido y la maestría de la forma.

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Paisajes Urbanos

Jorge Worsley

Fue expuesta desde el 7 de mayo de 2009 hasta 30 de mayo de 2009.

En las paredes y muros de Jorge Worsley no hay alegorías, no hay sosiego, ni resignación, sus símbolos no remiten a una iconografía establecida, quiere reflejar la mismísima vibración existencial de la experiencia estética del sujeto moderno en el vaivén incesante y acelerado de las urbes del siglo XXI. Son muros que cuentan historias caóticas, cuya sedimentación pictórica quiere reflejar el caudal de miradas, estrictamente individuales y valiosas, que marcan el vértigo nómada del habitante que las dota de un sentido propio e inefable.

Texturas, graffitis, sprays, especialmente el óleo, otorgan presencia a imágenes fragmentadas y reinventadas, moldeadas por el azar pero siempre remitiéndonos a los ecos de la gran ciudad, “aquello que se comunica en el acallado runrún de la respiración de la ciudad”

Las referencias de la pintura de Worsley son innumerables. Desde las Cuevas de Altamira – con más de 10.000 años de antigüedad – las manifestaciones artísticas han ido sucediéndose y alimentándose unas a otras. Desde está premisa trabaja el artista, incidiendo en la idea de la sedimentación. “Por que las texturas worsleianas invocan a la historia del arte más allá de la historia”

“Paisajes Urbanos. Sedimentaciones” permitirá descubrir al espectador una nueva mirada sobre nuestras ciudades, donde las manifestaciones de la expresión personal se encuentran a cada paso.

Habitar el espacio 3

Javier Oyarzun

Fue expuesta desde el 2 de abril de 2009 hasta 30 de abril de 2009.

Siguiendo la opinión de Rotko que sostenía que “ la abstracción le permitió decir, simplemente, cosas complejas” Oyarzun explora con sus pinceles dos aspectos decisivos en una creación: forma y color. Con ellos se sumerge en lo enigmático y prodigioso de la creación abstracta. La obra de Javier Oyarzun se caracteriza por la fascinación y la pasión del color, expresado con óleos, acuarela y acrílicos a menudo mezclando, también, arenas y tierras. La preparación de los colores y los materiales “es el camino para entrar en el cuadro y es entonces cuando la obra empieza a tomar cuerpo, dejando atrás el lienzo en blanco” afirma el autor. En “ Habitar el espacio 3” Javier Oyarzun presenta obras sobre materiales y soportes diversos – algunos de ellos transparentes - con distintos tamaños y formatos dispares. Se trata de domesticar y simbolizar lo no representado, “lo imposible no lo alcanzamos pero nos sirve de linterna” afirma René Char y es, claramente, el objetivo perseguido por Oyarzun. El siglo XX cambió la forma de ver el mundo y la realidad se abrió a nuevos puntos de vista. En este sentido, Oyarzun descubre su admiración por los grandes artistas abstractos americanos: Pollock, Kline, Motehrwell, De Kooning y Rotko. Más cercana es la influencia de Tapiés y su sentido del espacio y la composición Dionis Bennassar acoge por primera vez las obras de Javier Oyarzun en una muestra donde la fuerza del expresionismo se presenta con total nitidez y elegancia, tanto en los lienzos como en sus soportes tridimensionales sobre metacrilato.